Apenas

Pat Metheny - Last Train Home

2011-08-21T15:04:00.000-07:00

Weather Report - Teen Town

2011-07-28T16:02:00.001-07:00

3 Pianos - Sassetti, Laginha e Burmester

2011-06-17T16:03:00.000-07:00

Benny Goodman - Sweet Georgia Brown

2011-05-31T13:05:00.000-07:00

Nunca pensei regressar...

2011-05-20T13:11:00.000-07:00

Caros amigos,

Eu sei que me vou repetir. Sei ainda, que não vou acrescentar nada a este blog.
Mas "hoje", apeteceu-me ouvir jazz... e divulgar alguns dos seus sons.

Por isso, estou de volta. Não prometo muito. Apenas música de excelente qualidade.

Um abraço a todos,

Miguel Coelho

Brad Mehldau - Exit Music (for a film) - Radiohead cover

Charlie "Bird" Parker

2009-08-20T05:35:00.000-07:00

Caros Amigos,

Sobre Jazz, é tudo que eu tenho para dizer...

Uma palavra de amizade ao Érico e ao Salsa, por tudo que me ensinaram. São blogs que vou continuar a seguir. Obrigado por tudo.

Como diz Bob Marley, "Já estive aqui antes e voltarei outra vez, mas não terminarei esta viagem". Quem sabe em que género musical...

Um abraço a todos,

Miguel Coelho

Tommy Castro

2009-08-20T05:30:00.001-07:00

Anna Maria Jopek

2009-08-16T03:35:00.000-07:00

Duke Ellington

2009-07-31T04:09:00.000-07:00

Les Paul

2009-07-26T05:53:00.000-07:00

Freddie Hubbard

2009-07-23T03:04:00.001-07:00

Lee Konitz

2009-07-21T13:32:00.001-07:00

Brian Auger

2009-07-19T07:19:00.001-07:00

Bud Powell

2009-07-16T13:34:00.000-07:00

Hamilton de Holanda

2009-07-15T02:22:00.001-07:00

Dexter Gordon

2009-07-14T08:25:00.000-07:00

Alice Coltrane

2009-07-12T13:01:00.000-07:00

Philip Catherine

2009-07-11T13:31:00.001-07:00

Bill Evans

2009-07-10T10:00:00.001-07:00

Eldee Young

2009-07-08T15:01:00.001-07:00

Horace Silver

2009-07-05T14:33:00.001-07:00

Al Di Meola

2009-07-04T14:50:00.000-07:00

Shawn Lane

2009-07-02T10:08:00.001-07:00

Jimmy Raney

2009-07-01T12:44:00.000-07:00

Trey Gunn

2009-06-30T09:53:00.000-07:00

A native Texan who now resides in Seattle, Washington, Gunn began his musical life at the age of seven playing classical piano. His interest in music grew through various instruments: electric bass, electric and acoustic guitar, keyboards, and the touch guitar. He moved to Eugene, Oregon, and played in punk bands while he completed a degree in classical music composition at the University of Oregon[1]. He then moved to New York City where his professional career began.

He spent some time as a student of Guitar Craft with founder Robert Fripp and appeared on several Robert Fripp and the League of Crafty Guitarists recordings. From 1988 to 1991, he toured playing Chapman Stick in the UK and Europe, with Toyah Willcox, Robert Fripp and Paul Beavis, at first under the band project name "Fripp, Fripp" who by the second tour became "Sunday All Over the World". They recorded and released one album in 1991 entitled Kneeling At the Shrine. In the same year and with the SAOTW line up, he also played stick on the solo Toyah album Ophelia's Shadow, produced by Toyah who was to later guest on his album, The Third Star.

In 1992, he was asked to join David Sylvian and Robert Fripp in a collaborative project that toured the United States, Europe and Japan. The band released The First Day and Damage — a live recording from the Royal Albert Hall in London. During this period Gunn also recorded his first solo album One Thousand Years.

In 1994, Gunn joined King Crimson. With King Crimson he played Chapman Stick and subsequently diverse types of Warr guitar and was part of the "double trio" formation opposite Tony Levin. In 1997, King Crimson fragmented into smaller configurations known as the ProjeKcts. Gunn, along with Fripp, participated in all of the ProjeKcts performances and recordings. In 1999, the group mutated into a four piece — Belew, Fripp, Gunn and Mastelotto. He left Crimson after "The Power to Believe" tour in 2003. Over the course of his decade with the group he participated in thirty-three King Crimson CDs, two DVDs and hundreds of performances.

He has also performed and recorded with a number of other musicians: TOOL, Puscifer, Robert Fripp, Sean Malone and Gordian Knot, David Sylvian, Vernon Reid, John Paul Jones, Eric Johnson, Italian singer Alice, Azam Ali, Matt Chamberlain, Michael Brook, Bill Rieflin, David Hykes of the Harmonic Choir and many more. He has released a number of solo albums, as Trey Gunn and as the leader of The Trey Gunn Band.

In 2003, Gunn founded the multi-media group Quodia with Joe Mendelson. In 2004, he and Pat Mastelotto started collaborating with Kimmo Pohjonen and Samuli Kosminen, forming KTU out of their respective duos TU and Kluster. In 2007, he began working with Eddie Jobson in the group UKZ.

In addition to helping run a collective music label based in Seattle called First World (FWD) and a multi-media production company (7 Directions), he is currently dividing his time between his solo work, film and television scoring, music supervising, and building multi-dimensional media projects.

Niels-Henning Ørsted Pedersen

2009-06-29T09:14:00.000-07:00

Niels-Henning Ørsted Pedersen nasceu no dia 27 de maio de 1946 em Osted, Dinamarca. Um virtuoso que quase sempre tocou dentro do estilo bop, Niels Pedersen foi um músico muito procurado desde que era um adolescente.

Um dos grandes baixistas europeus que emergiu durante os anos sessenta, Pedersen estudou piano inicialmente, antes de começar a tocar baixo com grupos de jazz dinamarquês quando tinha 14 anos.

Ele ficou relutante em aceitar a oferta da orquestra de Basie quando tinha 17 anos, mas continuou trabalhando como baixista do Club Montmartre e como integrante da Danish Radio Orchestra.

Sempre que os jazzmen americanos passavam pela Escandinávia, eles procuravam por Pedersen. Durante os anos sessenta eletocou com Sonny Rollins, Bill Evans, Roland Kirk, Dexter Gordon, Bud Powell e Albert Ayler. Nos anos setenta, Pedersen gravou um duo com Kenny Drew.

Em meados dos anos setenta, ele integrante ocasional do Oscar Peterson Trio e gravou várias vezes como líder de banda para o selo SteepleChase. Pedersen também gravou em muitas ocasiões diferentes para a Pablo Records.

Joe Zawinul

2009-06-28T04:05:00.000-07:00

Josef Erich Zawinul nasceu no dia sete de julho de 1932 em Viena na Áustria e aos seis anos começou a tocar acordeão e em seguida a estudar piano clássico e composição no Conservatório de Viena. O seu interesse em ser pianista de jazz veio através das influências de George Shearing e Erroll Garner. Zawinul realizou trabalhos com o saxofonista austríaco Hans Koller em 1952 e se apresentou com seu próprio trio na França e Alemanha.

Ele emigrou para os Estados Unidos no início de 1958 depois de ganhar uma bolsa de estudos na Berklee. Depois de uma semana de aula ele partiu para se unir à banda de Maynard Ferguson por oito meses, onde Miles Davis obteve informações sobre seu trabalho. Seguindo uma curta temporada com Slide Hampton, Zawinul se tornou o pianista de Dinah Washington de 1959 a 1961 e passou um mês com Harry "Sweets" Edison antes de Cannonball Adderley o escolher como pianista do seu quinteto.

Zawinul permaneceu no quinteto durante nove anos, contribuindo com várias composições para o repertório do quinteto de Adderley. Entre elas estão "Mercy, Mercy, Mercy," "Walk Tall" e "Country Preacher". Durante esse tempo, Zawinul evoluiu muito como pianista de hardbop e de soul/jazz curtido no blues, e agora embarcava na onda do jazz/rock com seu piano elétrico. Em 1970 ele terminou seu trabalho com Adderley e entrou dentro do cenário do jazz-rock gravando com Miles Davis o seminal "In a Silent Way".

Em novembro de 1970 ele se uniu a Wayne Shorter e ao baixista tcheco Miroslav Vitous para formar o Weather Report. Esse grupo, sem dúvida o mais importante do jazz-rock, deu a Zawinul uma crescente autoconfiança para ir mais adiante, incorporando ao seu som as diversas músicas oriundas da África e Oriente Médio. Ele deixou o piano elétrico gradualmente em prol de uma série de sintetizadores sofisticados que ele tocou a níveis ainda não pensados. Weather Report se tornou uma banda popular, atraindo platéias além do jazz e do rock progressivo, graças a uma composição sua, "Birdland".

Quando Zawinul e Shorter finalmente encerraram sua parceria em 1985, Zawinul prolongou a vida do Weather Report criando por pouco tempo o grupo Weather Update, que não deixou nenhuma gravação. A evolução desse grupo, foi o Zawinul Syndicate durante uma década se alimentou das novidades da world music. Zawinul também mostrou interesse renovado em suas raízes européias, ora colaborando com o pianista clássico vienense Friedrich Gulda de 1987 a 1994, ora produzindo peças sinfônicas clássicas tendo como tema o Danúbio (1993). Depois do incêndio que destruiu sua casa em Malibu em 1994, Zawinul se mudou para New York, ficando mais perto da sua Europa.

Em 2002 ele lançou "Faces & Places", o primeiro álbum de estúdio depois de város anos. Apesar da influência de Zawinul no jazz tenha diminuido nos últimos anos devido à queda do interesse pelo jazz eletrônico, ele está sempre revigorando a sua música na busca por um espaço no mundo do jazz.

Charles Mingus

2009-06-27T15:18:00.000-07:00

Charles Mingus Jr. é o mais influente contrabaixista do jazz moderno. Nascido numa base militar em Nogale, Arizona, cresceu em Los Angeles. Tendo começado a estudar música ainda criança, depois de tentativas sem muito sucesso com o trombone e o violoncelo, acabou por se decidir pelo contrabaixo na época do colégio. Seu talento logo foi percebido, e Mingus tocou nos anos 40 nos grupos de Barney Bigard, Louis Armstrong e Lionel Hampton. Participou do trio do vibrafonista Red Norvo (com o guitarrista Tal Farlow) em 1950-1951. Nos anos 50 tocou com uma constelação de grandes músicos: Billy Taylor, Stan Getz, Art Tatum, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach e Duke Ellington, a quem admirava muito.

Em 1956, Mingus gravou o disco Pithecanthropus Erectus, amplamente reconhecido como uma obra-prima, que estabeleceu definitivamente seu nome como um dos líderes do jazz moderno. Nos dez anos seguintes, ele comporia temas antológicos e gravaria discos idem, tocando com Eric Dolphy, Jackie McLean, J. R. Monterose, Jimmy Knepper, Roland Kirk, Booker Ervin e John Handy, entre outros. Durante a década de 60, porém, problemas psicológicos e dificuldades financeiras fizeram a carreira de Mingus entrar em parafuso (não sem antes gravar mais uma de suas obras-primas, The Black Saint and The Sinner Lady, e também um disco solo como pianista, Mingus Plays Piano). Alguns aspectos dessa fase estão documentados no documentário Mingus, de Thomas Reichman (1968).

Dennis Chambers

2009-06-24T09:38:00.000-07:00

Dennis Chambers (born May 9, 1959) is an American drummer who has recorded and performed with John Scofield, Carl Filipiak, Steely Dan, Santana, Parliament/Funkadelic, John McLaughlin, Niacin, Mike Stern, and many others. Despite a complete lack of formal training, Chambers has become well-known among drummers for his impressive technique and speed. Chambers is particularly regarded for his ability to play "in the pocket" but can also stretch very far out of the pocket which is also a hallmark of his technique. Chambers exhibits a powerful style that is technically proficient, yet highly musical and groove-oriented. He can play in a wide variety of musical genres, but is perhaps most notable for his jazz-fusion, funk, and Latin music playing. He is mostly known for his fast hands and triplets on the bass drum. He has helped many young drummers, the most prominent being Tony Royster Jr.

Chambers began drumming at the age of four years old, and was gigging in Baltimore-area nightclubs by the age of six. In 1978 (at 18 years old) he joined Parliament/Funkadelic, and stayed with them until 1985. In the early 1990's he joined the John Scofield band. Since then he has played with most of the major figures in jazz fusion music.

Recently, he has been part of the Maceo Parker live band.

He is currently touring with Carlos Santana and makes appearances with his band Niacin. He plays Pearl drums, Zildjian cymbals, and Evans drumheads.

Bill Frisell

2009-06-23T15:31:00.001-07:00

Nascido em Baltimore em 1951, o guitarrista Bill Frisell cresceu em Denver, Colorado, onde primeiro aprendeu a tocar clarinete e depois o violão, experimentando-o no blues, rock e jazz. Depois de freqüentar a University of Northern Colorado e a Berklee School of Music, Frisell se mudou para Bélgica onde ele colaborou com o baixista alemão Eberhard Weber.

Voltando a New York, Frisell assinou a gravadora ECM para a qual ele registrou vários álbuns bem inovadores onde desenvolvia sua técnica e habilidade em execução e composição, inclusive colaborou com Vernon Reid, guitarrista e líder da banda de rock Living Colour.

Em 1989 Frisell mudou para Seattle e assinou com a Elektra/Nonesuch, onde continuou a gravar de forma inovadora clássicos de rock e country em estilo de jazz, com o seu quarteto durante os anos noventa. Destaca-se a gravação que fez em 1997,“Nashville”, onde mergulha profundamente em suas influências rurais.

" height="344">

Barney Bigard

2009-06-22T08:48:00.000-07:00

Barney Bigard foi um dos clarinetistas mais singulares do jazz e teve assento na orquestra de Duke Ellington por muito tempo. Ele nasceu em três de março de 1904 em New Orleans e teve as primeiras lições de clarineta com Lorenzo Tio, veterano músico da cidade.

Depois de trabalhar com vários grupos em New Orleans, Bigard mudou para Chicago em 1924 onde ele tocou com King Oliver no período de 1925-27. Ele também gravou com Jelly Roll Morton, Johnny Dodds, e no Hot Seven de Louis Armstrong, depois de curtas temporadas com Charles Elgar e Luis Russell, Bigard encontrou seu verdadeiro espaço na orquestra de Ellington, onde foi escalado para tocar clarineta.

Entre 1927-1942, ele se apresentou em incontáveis gravações com Ellington, que compreendia bem as qualidades musicais de Bigard. Dessa amizade saiu a co-autoria de "Mood Indigo" e de "Harlem Air Shaft"; sem dúvida, Bigard era uma peça importante na orquestra de Ellington.

Quando ele deixou a banda em 1942, Bigard tocou com a big band de Freddie Slack, o grupo de Kid Ory e participou do filme "New Orleans". Bigard se uniu ao Louis Armstrong All-Stars, viajando com freqüência pelo mundo durante 1947-1955 e 1960-1961. Bigard ficou numa semi-aposentadoria depois de 1962, mas ainda tocava de vez em quando, ou gravava com Art Hodes, Earl Hines e também como um líder.Barney Bigard faleceu em 27 de junho de 1980 em Culver City, Califórnia.

Chet Baker

2009-06-21T10:35:00.001-07:00

Chet Baker (Chesney Henry Baker Jr.) (Yale, Oklahoma, 23 de Dezembro de 1929 – Amsterdam, 13 de Maio, 1988) foi um trompetista de jazz norte-americano.

Criado até os dez anos numa fazenda de Oklahoma, parte para Los Angeles no final dos anos 30, quando começa a estudar teoria musical. Chet Baker sempre foi influenciado por seu pai, guitarrista, de quem herdou a paixão pela música e de quem ganhou, aos 10 anos de idade, um trombone. Amante do Jazz, não tardou em conquistar o sucesso, sendo apontado como um dos melhores trompetistas do gênero logo em seu primeiro disco.

Ainda bem jovem, passou a integrar o grupo de renome da música americana da época. Seus primeiros trabalhos foram com a Vido Musso’s Band e com Stan Getz, porém Chet só conheceu o sucesso depois do convite de Charlie Parker (Bird) em 1951 para uma série de apresentações na costa ocidental. Em 1952 entrou para a banda de Gerry Mulligan, alcançando grande notoriedade com a primeira versão de “My Funny Valentine”. Entretanto, em razão dos problemas de Gerry com as drogas, o quarteto não teve vida longa, sustentando-se por menos de um ano.

O talento de Chet logo o transformaria num ídolo. Apresentou-se por toda América e Europa. Especialistas dividem a vasta obra do músico em duas fases: a cool, do início da sua carreira, mais ligada ao virtuosismo jazzístico e a segunda parte, a partir de 1957, quando a sensibilidade na interpretação torna-se ainda mais evidente.

Herb Geller

2009-06-20T14:11:00.000-07:00

Geller, Herbert (Herb) Alto, Sop. Saxes, Flutes, Clarinet, Piano, Arranger and Composer / Born Nov. 2, 1928 / Los Angeles, Calif.
Through his work in big bands, combos and studio orchestras including numerous recordings, Herb became known as one of the leading exponents on alto sax of the so-called West Coast style of jazz in the late fifties along with Art Pepper, Frank Morgan, Bud Shank, Lennie Niehaus and Eric Dolphy.

Inspired solos, musical humor and wide range of musical knowledge has earned him the reputation throughtout Europe as a "musicans' musican".

First inspired by Benny Carter, Johnny Hodges and Willie Smith, then later by Charlie Parker and the pianist Joe Albany, Herb began his professional career at the age of 18 in the orchestras of Joe Venuti and Jimmy Zito. In 1949 he moved to New York City where he played with the orchestras of Claude Thornhill, Lucky Millinder and Jerry Wald. In 1952 he married the jaz pianist Lorraine Walsh and joined the Billy May orchestra returning to Los Angeles where be became active in the West Coast scene.

There he played and recorded with among others: Shorty Rodgers, Maynard Ferguson, Chet Baker, Bill Holman, Marty Paich, Clifford Brown, Max Roach, Red Mitchell, Barney Kessel, Andre Previn and Dinah Washington.

He performed with his own quartet including his wife Lorraine and Shelly Manne until her death in 1958. He then worked with Benny Goodman, Louie Bellson and Shelly Manne until 1962 when he departed for Europe.

After five months in Paris performing for the French Radio program "Musique Aux Champs Elysee", he joined the Radio Free Berlin orchestra in West Berlin where he married Christine Rabsch. In 1965 he joined the North German Radio in Hamburg where he still lives. He retired from that orchestra in 1994 and is currently active with his own trio and quartet performing, recording and teaching.

In Europe he has performed with the big bands of Kenny Clarke/Francy Boland, Friedrich Gulda's Euro Jazz Orchestra, the Klaus Weiss Band, George Gruntz's band, Peter Herbolzheimer's Rhythm Combination, three albums with the Swedish composer Nils Lindberg, as well as the BBC orchestra, the Holland Metropole Orchestra, many performances with the NDR Jazz Studio Orchestra, and with small groups such as the Bill Evans Trio, Baden Powell and Joe Pass.

He has composed and arranged music for films and TV.

Among some of his recordings on Mercury: Clifford Brown/Max Roach/Dinah Washington session albums, plus three of his own that have been reissued on CD. On Atlantic Records: Music from "Gypsy", (with Elvin, Hank and Thad Jones and Scott Lafaro); and "Rhyme And Reason Time". Also re-released are the CDs of "Stax Of Sax", (with Victor Feldman and Walter Norris); "Fire In The West" (with Ray Brown, Lou Levy and Kenny Dorham). Also available are:

Fresh Sound, 1991: "Birdland Stomp" (with Kenny Drew and Niels-Henning Orsted-Pedersen); V.S.O.P., 1993: "Herb Geller Quartet" ( with Louie Bellson, Tom Rainier and Jimmy Rowles); Fresh Sound, 1996: Stockholm Get Together" ( with Jan Lundgren); HEP ,1996: "Herb Geller Plays The Al Cohn Songbook"

A recording of his autobiographical musical "Playing Jazz" has been recently released on Fresh Sound and a recording of his Hamburg quartet (with the San Francisco native Edward Harris on guitar, the german bassplayer Thomas Biller and the N.Y.C. residing drummer Heinrich Koebberling) came out on HEP Records.

Herb Geller is still active in teaching and has a Professorship status. Among the schools where he has taught are the "Hochschule für Musik und Theater" (Conervatory for performing arts) in Hamburg, the "Hochschule für Künste" in Bremen and conservatories in Hannover and Rotterdam. He has done seminars for the Yamaha Music Corporation and for "Schott And Sons", for which he wrote a jazz instruction book entitled "Crossover".

Scott Henderson

2009-06-19T14:07:00.000-07:00

Born in 1954, Scott Henderson grew up in an era where blues-rock was at it's peak. His formative musical years took place in South Florida where he played the clubs with all kinds of bands playing everything from Led Zepplin to James Brown. As he was learning his instrument, Henderson was influenced by Jimmy Page, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, and the great blues guitarists Albert King and Buddy Guy.
Even though Henderson claims to be more of a blues-rock player, it was the influence of jazz that led him to the style of playing and composing that he is now famous for.
Scott finished school at Florida Atlantic University, then moved to Los Angeles where he played and recorded with Chick Corea's Elektric Band, with violinist Jean-Luc Ponty, bassist Jeff Berlin and "Players", and a four year stint with Weather Report's Joe Zawinul.

Henderson formed the band Tribal Tech in 1984 with bassist Gary Willis, and after nine critically acclaimed albums, with the newest "Rocket Science" released on the ESC/Tone center label in November 2000, Henderson has proven himself as a world class player and composer.
In 1991, he was named by Guitar World as the #1 Jazz Guitarist, and in January 1992, he was named #1 Jazz Guitarist in Guitar Player's Annual Reader's Poll.

His first solo blues album "Dog Party", a welcome retreat to his musical roots, won best blues album of 1994 in Guitar Player.
The second blues album for Mesa/Bluemoon Records pairs Henderson with legendary vocalist Thelma Houston. "Tore Down House" was released in April 97, and recieved four star reviews in Jazz Times, Guitar Player, Guitar, Guitar Shop, and L.A Jazz Scene Magazines.
Well to the Bone", Henderson's third and most accomplished work as a leader, is a trio record currently being played live by his band featuring John Humphrey on bass and Alan Hertz on drums.
The trio has toured extensively in the U.S., Europe, South America and Japan, playing music from the blues albums as well as some of Henderson's music recorded by Tribal Tech.

Scott has also released two albums with "Vital Tech Tones", a trio collaboration with bassist Victor Wooten and ex - Journey / Vital Information leader Steve Smith on drums.

Maceo Parker

2009-06-18T11:13:00.001-07:00

Maceo Parker (Kinston, North Carolina, 14 de fevereiro de 1943) é um cantor e saxofonista norte-americano de soul e jazz.

Nascido em um ambiente totalmente musical, sua mãe e seu pai cantaram em uma igreja e seus irmãos eram músicos, tocavam tambor e trombones.

Maceo e seu irmão Melvin, entraram para a banda de James Brown em 1964, com várias dificuldades, Maceo saiu da banda e retornou em 1973. Em 1975 alguns membros sairam da banda como Maceo Parker e Fred Wesley entrando para George Clinton’s Parliament.

Maceo mais uma vez com dificuldades em se manter na banda, saiu do Parliament e voltou para a banda de James Brown durando de 1984 a 1988. Em 1990 ele finalmente seguiu carreira solo produzindo mais de setre discos.

King Oliver

2009-06-17T13:57:00.000-07:00

Nascido em New Orleans, Louisiana em 1885, Oliver se tornou hábil na corneta, tocando nas principais brass bands da cidade no início do século (Eagle, Onward Brass Band, Olympia Band). Em 1915, fez parte do conjunto do trombonista Kid Ory e com o fechamento de Storyville em 1917, emigrou para Chicago.

Em 1920, formou a Creole Jazz Band, que atingiu o máximo de seu prestigio em 1923, quando gravou para a Paramount, a Okeh e a Gennet. Em 1923 a sua banda, a Creole Jazz Band, realizou em Chicago os primeiros discos de jazz no estilo puro de Nova Orleans. O conjunto das 39 gravações feitas para a Paramount, Okeh e Gennett constitui o primeiro acervo importante do jazz como modo de expressão musical, conforme uma estética definida e reconhecível. Nesse conjunto de gravações, estão as primeiras obras-primas do jazz.

Em 1924, Louis Armstrong (segunda corneta) deixou a banda de Oliver. que foi aos poucos, se desfazendo. Dois anos depois, "King" Oliver passou a liderar os Dixie Syncopators, que duraram até 1928, quando o pianista Louis Russell abandonou o conjunto junto com outros Syncopators, para organizar sua própria orquestra. Morreu em Savannah, Geórgia, 1938. Em plena depressão, doente, chegando a perder os dentes, Oliver morreu de hemorragia cerebral.

A improvisação coletiva tramada em torno da linha mestra exposta pelas cornetas, num enredo contrapontístico livre, em que o trombone respondia de forma ritmo-melódica as frases da(s) cometa(s), de um modo que ficou conhecido como tailgate style; o clarinete ornamentava o tema principal, tudo por sobre um ritmo binário bem sincopado fornecido pelo contrabaixo ou tuba, a guitarra ou o banjo, a bateria ou instrumentos rítmicos caseiros, como a washboard.

Barney Kessel

2009-06-16T12:47:00.000-07:00

Barney Kessel nasceu no dia 17 de outubro de 1923, no estado norte-americano de Oklahoma. Aos dezesseis anos ainda no colegial começou a tocar guitarra imitando o estilo de Charlie Christian – seu grande ídolo –, fazendo suas primeiras apresentações em bandas locais de blues e também integrava a banda de dança da Universidade de Oklahoma.

Aos dezenove anos decidiu tentar a vida na Califórnia, mudando-se para Los Angeles onde rapidamente estabeleceu seu nome entre os músicos respeitáveis da cidade. Passados alguns meses foi contratado para excursionar com a banda de um dos irmãos Marx, Chico. De volta a Los Angeles passou a dividir seu tempo entre sessões de estúdio, programas de rádio e apresentações ao vivo. Nesta época participou de gravações importantes de artistas como Roy Eldridge e Artie Shaw. No mesmo período, fez ainda uma ponta no filme Jammin’ the Blues.

Ao completar 39 anos a convite de Norman Granz entrou para sua Jazz at the Philharmonic, excursionando com o grupo por aproximadamente um ano. Depois de dez anos morando em Los Angeles tinha seu nome completamente estabelecido sendo um dos músicos mais requisitados, situação que se segui pelos próximos quarenta anos. Kessel também se dedicou a ensinar, dando tanto aulas particulares como workshops mundo afora.

Barney Kessel ficou conhecido seu estilo despojado, incrível swing e sua maestria ao improvisar harmonicamente, somado a sua capacidade de tirar profunda emoção de belas baladas, assim como incendiar platéias quando “quebrava tudo”.

Tó Trips

2009-06-15T02:32:00.001-07:00

Tó Trips é o guitarrista dos Dead Combo, uma banda portuguesa cujas maioritárias influências musicais são: Fado, Rock, o Jazz, as bandas sonoras dos Westerns, música da América do Sul e de África. A banda é constituída por dois membros apenas: Tó Trips (Guitarras) e Pedro V. Gonçalves (Contrabaixo, Kazoo, Melódica e Guitarras).

Os membros conheceram-se em 2001, quando no final de um concerto, Tó pediu boleia a Pedro sem saber que este não tinha carro. Foram então ambos a pé até ao Bairro Alto e, no meio da conversa, surgiu a ideia de gravarem um álbum em tributo ao génio da guitarra portuguesa, Carlos Paredes.

A pouco e pouco foram surgindo os Dead Combo, sendo 2002 referido pela banda como o ano definitivo da sua formação. Em 2004 viriam a lançar o seu álbum de estreia, cuja sonoridade inovadora foi recebida com entusiasmo pela crítica portuguesa.

Em 2005, Charlie Gillet fez uma selecção dos "Melhores de 2005". Nessa lista constam os Dead Combo com o seu álbum de estreia Vol.1.

Compuseram a banda sonora original para o filme "Slightly Smaller Than Indiana" de Daniel Blaufuks.

Joe Pass

2009-06-14T11:20:00.000-07:00

Joseph Anthony Passalaqua, o maior guitarrista do jazz moderno, teve um início de carreira tumultuado. Nascido em New Brunswick, já tocava em conjuntos profissionais quando ainda estava no colégio, incluindo a banda de Tony Pastor. Tocou com a banda de Charlie Barnet em 1947 e depois foi prestar o serviço militar. Após ser dispensado, passou os anos 50 às voltas com um vício em drogas, tendo inclusive passado algum tempo na prisão por causa disso. Essa foi, na prática, uma década perdida em termos profissionais para Joe.

A técnica de Joe Pass beira o impossível, fazendo as passagens mais difíceis soarem absolutamente naturais, porém ele nunca se deixa levar pelo exibicionismo. Sua música é sempre sutil, coerente e bem construída, e sua harmonia é sofisticada.
Sempre extraindo da guitarra um som cristalino - mesmo em meio às guitarras distorcidas e amplificadores superaquecidos dos anos 70 e 80 - Pass reafirmou o valor perene da guitarra “limpa” no jazz. A densidade musical e o bom gosto.
Também é digna de nota a maneira de ser e de se apresentar de Joe - sempre calmo, modesto e cordial, sem nada da atitude de “grande astro”.

Ferenc Snétberger

2009-06-13T12:13:00.000-07:00

Born in 1957 in northern Hungary, guitarist/composer Ferenc Snétberger was the youngest son of a family of musicians. Early on his father, a guitar player also, became his role model. Snétberger studied classical music and jazz guitar. Today he is best known for his art of improvising and his crossing of stylistic borders. His music is inspired by the Roma tradition of his home country, Brazilian music and flamenco as well as classical guitar playing and jazz. He made numerous albums as a leader, co-leader and sideman and has toured all over Europe as well as Japan, Korea, India and the United States.

In 1995 he composed his Concerto for Guitar and Orchestra, "In Memory of My People", on the occasion the fiftieth year following the end of the holocaust. Inspired by melodies of the gypsy tradition, the concerto is a powerful statement against human suffering. It has been performed by the composer himself with chamber orchestras in Hungary, Italy and Germany and also at the New York UN headquarters (International Holocaust Memorial Day, 2007).

Ferenc Snétberger performed Luciano Berio's Sequenza XI (for solo guitar) as well as concertos with orchestra by Vivaldi, Rodrigo, and John McLaughlin. He also wrote music for film and theater. On stage he performed with David Friedman, Dhafer Youssef, James Moody, Trilok Gurtu, Pandit Hariprasad Chaurasia, Bobby McFerrin and others. In 2002 Snétberger was appointed freeman of his birth town and two years later received the Hungarian Order of Merit. In 2005 he was awarded the Liszt Ferenc Prize in Budapest.

In 2004 Snétberger founded his new trio with legendary Norwegian bass player Arild Andersen and Norway-based Italian drummer/percussionist Paolo Vinaccia. With natural ease and on the highest level the three of them bring together choice compositions, technical skills, improvisational drive and musical fantasy. Released in fall 2005, their debut album "Nomad" was greeted with enthusiasm by critics and listeners.

In the same year Snétberger's performance with Bobby McFerrin at the Veszprém summer festival (Hungary) was recorded for the DVD "Snétberger live" (solo / duo with McFerrin / trio "Nomad"). In summer 2007 Snétberger was invited by McFerrin for further duo concerts in Germany and Spain.

Snétberger's cooperation with Markus Stockhausen started in 1999 with "Landscapes", a duo suite recorded for Snétbergers album "For My People". In three movements the musicians immediately create a language of their own showing their talents in an amazing way. "They come along lightly and yet filled with melancholy - and they give the impression that one day they simply HAD to meet in order to make this music happen. You can't help but hope this cooperation will be continued soon," Ralf v.d. Kellen wrote in Intro magazine. Eight years later during which Snétberger and Stockhausen have further been stimulating each other artistically, their duo album "Streams" finally proves their development.

Carlos Barretto

2009-06-12T15:11:00.000-07:00

CARLOS BARRETTO «Tenho dedicado grande parte da minha vida ao estudo da música erudita e ao Jazz. Como artista sinto-me um eterno estudante. Existem certas ferramentas e regras para improvisar que devem ser praticadas e desenvolvidas ao longo dos anos. Para continuar a evoluir necessito quebrar essas regras, libertar-me das formas, não me restringir a lugares comuns ou a compartimentos estanques dos idiomas do jazz. Continuo por isso a estudar para alcançar a liberdade total. Felizmente estudei as regras para melhor as quebrar.» Carlos Barretto

Nasceu a 18 de Julho de 1957. Com 6 anos aprendeu a tocar guitarra, aos 10 passou pelo piano, no Conservatório Nacional, e mais tarde optou pelo contrabaixo. Depois de concluir o curso do Conservatório, foi aperfeiçoar a técnica instrumental na Academia Superior de Música de Viena de Áustria, estudando com o mestre Ludwig Streischer. De regresso a Lisboa ingressou na Orquestra Sinfónica da RDP e participou em concertos de Jazz com vários artistas. Entre 1984 e 93 vive em Paris onde se dedica inteiramente à música improvisada. De regresso a Portugal formou os seus grupos, para os quais compõe, tendo vários CDs em seu nome. Horace Parlan, George Cables, Kirk Lightsey, Alain Jean Marie, Mal Waldron, Brad Mehldau, Lee Konitz, Barry Altschul, George Brown, Cindy Blackman, Joe Chambers, Jordy Rossy, Aldo Romano, Don Moye, Richard Galliano, Tony Scott, Glenn Ferris,Steve Grossman, Karl Berger, John Stubblefield, Steve Potts, Steve Lacy, Gary Bartz, Art Farmer, Jack Walrath, Marlon Jordan, John Betsch, Gerard Presencer, são alguns dos nomes com quem Carlos Barretto trabalhou. De destacar ainda os projectos nacionais em Trio com Mário Delgado e José Salgueiro , em Duo com Carlos Bica ou ainda Solo Pictórico com exposição de pinturas de sua autoria. É director artistico do Festival Internacional de Jazz de Portalegre. IN Loko é a sua aventura mais recente com a cumplicidade de Mário Delgado, Bernardo Sassetti, João Moreira e José Salgueiro.

Patricia Barber

2009-06-11T07:33:00.001-07:00

Patricia Barber é uma das melhores vocalistas de jazz da actualidade (com alguns discos editados pela Blue Note). Patricia Barber tem vindo a construir uma carreira brilhante, não só como vocalista e pianista mas também como uma excelente letrista, letras com uma grande carga irónica, cheia de amores (e humores) ardentes.

Cruzem Diana Krall com Susan Sontag, e têm Patricia Barber, cuja voz gutural e profunda, uma interpretação ao piano descontraída e incisiva, tem causado um efeito devastador.

" height="344">

Ethan Iverson

2009-06-10T13:45:00.001-07:00

Ethan Iverson (nascido em 11 de fevereiro de 1973, em Menomonie, Wisconsin) é um pianista e compositor mais conhecido por seu trabalho no contexto pós-moderno piano trio, o The Bad Plus, com o baixista Reid Anderson eo baterista Dave King.

Carlos Bica

2009-06-09T13:47:00.000-07:00

Carlos Bica é um dos poucos músicos portugueses que alcançou projecção internacional, tendo-se tornado uma referência no panorama do Jazz europeu. Entre os vários projectos musicais que lidera e para além das suas participações em outras áreas como teatro, cinema e dança, o seu trio AZUL com o guitarrista Frank Möbus e o baterista Jim Black, tornou-se na imagem de marca do contrabaixista e compositor.

Ao primeiro álbum “Azul” editado em 1996 e que é considerado pela crítica como um dos melhores álbuns nacionais de Jazz de sempre, seguiram-se os álbuns “Twist” (1999), “Look what they’ve done to my song” (2003) e “Believer” (2006) que receberam igualmente enormes elogios da imprensa internacional.

Quando se fala da música de Carlos Bica a crítica costuma salientar a forma como nela se interpenetram referências de diferentes universos, da música erudita contemporânea à folk, ao rock, ao jazz, às músicas improvisadas. O que corresponde, como seria natural, à própria trajectória do intérprete compositor. Aprendeu a tocar contrabaixo na Academia dos Amadores de Música, nos Cursos de Música do Estoril e na Escola Superior de Música de Würzburg, na Alemanha. Foi membro da Orquestra de Câmara de Lisboa, assim como de diversas orquestras de câmaras alemãs, tais como, a Bach Kammerorchester e a Wernecker Kammerorchester.

Tetsuo Sakurai

2009-06-07T11:12:00.000-07:00

Tetsuo was born in Tokyo 1957 Nov, 13. He started to play bass when he was 13 years old.
He was a member of the group named in 1976-1989, with Akira Jimbo in 1990-1998.
He has released 37 albums with the Band and Solo titles at all. Also he made 3 instructual videos.
Now, he is composing and playing his own music as a solo artist with domestic and foreign musicians.
The 3rd solo album "TLM20" released in 2000. It was recorded live concert with members.
The 4th solo album "GENTLE HEARTS" released in 2001. It was recorded with Greg Howe & Dennis Chambers.
The 5th solo album "Cartas do Brasil" released in 2003. It was the self cover vocal balad album recorded in Rio de Janeiro with Djavan, Ivan Lins, Rosa Passos and so on.
Tetsuo made the concert tour with Greg & Dennis in 2004. And he recorded the"GENTLE HEARTS TOOR 2004" live CD & DVD. It will be released Feb 23. 2005.

Eliane Elias

2009-06-05T07:42:00.000-07:00

Eliane nasceu em São Paulo em 1960 e começou a tocar piano aos 7 anos, ouvindo, cada vez com maior atenção à medida em que o tempo passava, todas os discos importados de jazz que chegavam às suas mãos.

"Quando eu tinha 12 anos, já sabia tocar qualquer standard que você passa imaginar", ela relembra. "Costumava comprar discos de Wynton Kelly, Bill Evans, Red Garland, Art Tatum, Bud Powell e muitos outros. Primeiro, estudava as gravações. Depois, partia para a transcrição dos salas e analisava-as repetidamente".

Ela também cita Chick Corea, Herbie Hancock e Keith Jarrett entre suas maiores influências, apesar de ter sida sua mãe (uma pianista clássica amadora) quem deu o impulso básico na careira de Eliane. "Ela adora música e me apoiou bastante quando comecei a tocar".

Antes de chegar a New York, em agosto de 1981, Eliane conheceu o ambiente musical de Paris. Lá encontrou o contrabaixista Eddie Gomez, que a incentivou a tentara sorte em New York após ouvir uma de suas fitas de demonstração. Três meses depois, Eliane ingressava no Steps Ahead, substituindo Don Grolnick.

Passados dois anos, formou o Randy Brecker/Eliane Elias Group, que permanece como veículo para composições e arranjos na área eletrônica. Em Illusions, entretanto, Eliane mantém-se fiel ao som puro do piano acústico.

Em "Illusions", o primeiro disco de Eliane como líder um outro lado do artista se revela. Atuando no desafiante contexto de gravações com trios essencialmente acústicos, a tecladista brasileira, de 26 anos de idade, expõe sua alma e expressa-se intimamente, ao mesmo tempo em que evidencio sua formidável técnica pianística.

Sem dúvida, trata-se de seu mais pessoal registro artístico até agora. Como ela mesma esclarece "Eu adorava tocar com o Steps, mas no verdade era apenas uma integrante da banda. E, apesar de gostar de atuar como acompanhante, eu adoro ser a líder".
A faixa de abertura, "Choro", é um tributo ao professor de piano de Eliane, Hamilton Godoy.

Seu titulo vem de um popular ritmo brasileiro, pouco conhecida fora da América do Sul. Stanley Clarke e Lenny White mantêm a pulsação brasileira com encanto e sensibilidade, permitindo a Eliane explorar sua peculiar característica de vôos melódicos durante o improviso.

Elias tem também cantado em alguns de seus discos, mas é como pianista que demonstra todo o seu talento musical. Eliane teve o suporte de Herbie Hancock para em 1995 gravar "Solos and Duets". Na seqüência, gravou "Three Americas" em 1996, e dois anos depois ela retornou com "Eliane Sings Jobim".

Scott Joplin

2009-06-03T14:14:00.000-07:00

Nascido no Estado do Texas, Estados Unidos, dia 24 de novembro de 1868, foi o mais celebrado compositor da "Era do Ragtime".

Embora sua família fosse pobre (seus pais foram mendigos), o jovem Joplin chegou a estudar piano clássico quando criança.

Por volta dos 20 anos, tornou-se pianista, viajando pelo centro-oeste americano. Em 1895 publicou sua primeira composição: "Please Say You Will".

"Maple Leaf Rag" foi seu mais famoso "Piano Rag" da época, garantindo-lhe o título de "Rei do Ragtime". No total foram cerca de 60 composições, 41 delas "Piano Rags", entre outras canções, marchas e a ópera "Treemonisha" (produzida sem sucesso em 1915 mas que seria revivida em 1957 com grandes resultados).

Nunca reconhecido em vida como o sério compositor que era, Scott Joplin recebeu este respeito apenas póstumamente, quando seu trabalho foi republicado em 1972 e aclamado pela comunidade popular e escolar.

Steve Bailey

2009-06-01T10:34:00.000-07:00

Steve Bailey is a professional bassist who is famous for his pioneering work with the six string fretless bass. He was voted runner up for “Bass Player Of The Year” in 1994 and 1996. Steve Bailey began playing the bass guitar at age 12 and began playing fretless bass after he ran over his fretted bass with his car. Bailey not only plays electric bass, but he also plays double bass; he started playing upright after hearing Stanley Clarke playing with Return to Forever. Steve got a full scholarships to both North Texas University and Miami University. He is currently an Artist in Residence at Coastal Carolina University and a teacher at University of North Carolina at Wilmington. He has done work as a studio musician, as well as numerous collaborations including several albums with fellow bassist Victor Wooten. Bailey and Wooten host a bass camp called Bass At The Beach which helps to teach bassists of all ranges. The camp is for people who just bought their basses, to people who are very advanced in their playing. Steve also likes to surf and play tennis.

George Duke

2009-05-31T05:18:00.000-07:00

Biografia: George Duke

Yamandú Costa

2009-05-28T09:24:00.000-07:00

Nasceu na cidade gaúcha de Passo Fundo. Filho da cantora Clari Marson e do trompetista e violonista Algacir Costa, líder do grupo Os Fronteiriços, Yamandú cresceu em meio à música. Aos quatro anos, quando sua família apresentava-se num bar em Porto Alegre, seu pai chamou o garoto ao palco para cantar. Aos sete, Yamandú - que em tupi-guarani significa “precursor das águas” - começa a aprender os primeiros acordes no violão.

Após dois anos, quando apresentava-se com um primo num bar de Maceió (AL), Yamandú descobriu aquilo que iria tornar-se a base de sua música: o improviso. Seu primo ao “abandoná-lo” no palco, enquanto tocavam Marina de Dorival Caymmi, provocou nervosismo no menino que, por não saber a musica direito, começou a improvisar.

Sob protestos dos pais, Yamandú largou de vez os estudos e passou a se dedicar integralmente ao violão, exigência imposta por seu pai. A partir daí começou a estudar teoria com o próprio pai e, na noite boêmia, aprendeu a tirar músicas de ouvido. Suas maiores influências são Tom Jobim, Astor Piazzolla, Radamés Gnattali, o violonista argentino Lúcio Yanel, o som regional gaúcho e canções tradicionais latino-americanas.

Wes Montgomery

2009-05-27T01:37:00.000-07:00

Wes Montgomery (John Leslie Wes Montgomery) (Indianapolis, Indiana, 6 de Março de 1925 - 15 de Junho de 1968) foi um guitarrista de jazz norte-americano.

Filho do meio de três irmãos, todos músicos, mudou-se ainda criança para Ohio. Autodidata, Wes começou a tocar só aos 19 anos, e por influência de Charlie Christian, de quem ouvia os discos e memorizava os solos. Seis meses mais tarde, já tocava profissionalmente.

Wes tocava guitarra de uma maneira pouco ortodoxa, já que usava o polegar em vez da palheta, bem como um modo único de tocar em oitavas ou em block chords,o que tornava a sua guitarra mais expressiva e melodiosa. Muitos guitarristas do jazz atual nomeiam Wes como uma das suas principais influências, entre os quais: Pat Metheny e George Benson.

Sua extrema liberdade e fluidez no instrumento chamaram, desde o início, a atenção de músicos como Cannonball Adderley, e em 1960 lhe valeriam o prêmio New Star da revista .

Wes definiu aquela que viria a ser a sonoridade clássica da guitarra de jazz nos anos 60 e tornou famosa a formação guitarra, órgão Hammond e bateria (The Wes Montgomery Trio 1959).

Greg Howe

2009-05-23T04:49:00.000-07:00

Biografia: Greg Howe

Muddy Waters

2009-05-20T13:36:00.000-07:00

O nome artístico (em português, Águas Lamacentas) ele ganhou devido ao costume de quando criança brincar em um rio. Ele mudaria-se mais tarde para Chicago, Illinois, onde trocou o violão pela guitarra elétrica. Sua popularidade começou a crescer entre os músicos negros, e isso o permitiu passar a se apresentar em clubes de grande movimento. A técnica de Waters é fortemente característica devido a seu uso da braçadeira na guitarra. Suas primeiras gravações pela Chess Records apresentavam Waters na guitarra e nos vocais apoiado por um violoncelo. Posteriormente, ele adicionaria uma seção rítmica e a gaita de Little Walter, inventando a formação clássica de Chicago blues.

Com sua voz profunda, rica, uma personalidade carismática e o apoio de excelentes músicos, Waters rapidamente tornou-se a figura mais famosa do Chicago Blues. Até mesmo B. B. King referiria-se a ele mais tarde como o “Chefe de Chicago”. Suas bandas eram um “quem é quem” dos músicos de Chicago blues: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Willie Dixon, Otis Spann, Pinetop Perkins, Buddy Guy, e daí em diante.

As gravações de Waters do final dos anos 50 e começo dos 60 foram particularmente suas melhores. Muitas das músicas tocadas por ele tornaram-se sucesso: “I’ve Got My Mojo Working”, “Hoochie Coochie Man”, “She’s Nineteen Years Old” e “Rolling and Tumbling”, grandes clássicos que ganhariam versões de várias bandas dos estilos mais diversos.

Jay Beckenstein

2009-05-15T09:44:00.000-07:00

Biografia: Jay Beckenstein

Robert Johnson

2009-05-13T10:13:00.001-07:00

Robert Johnson é uma das mais celebradas figuras na história do Blues. Não considerando o fato de que ele morreu quando tinha apenas 27 anos, o seu impacto na cultura do Blues e na própria mitologia do Blues, tão bem quanto a sua influência no desenvolvimento no estilo da guitarra do Blues, foi no mínimo substancial. Depois de mais de cinqüenta anos da sua morte Johnson ainda tem a força e o magnetismo para comandar o último renascimento do Blues! Em 1990, a Columbia Records lançou a série Roots n’ Blues Series com as gravações completas de Robert Johnson, uma caixa com dois CD’s que vinha acompanhada de um livreto com histórias do Blues, letras e fotos raras. Esperava-se vender aproximadamente 20.000 copias. Inacreditavelmente vendeu-se aproximadamente 500.000 cópias, ganhando um disco de ouro em 1990. Também conquistou um Grammy Award, além de gerar uma nova fascinação com a música de Johnson e a sua contribuição para a guitarra de Blues, acelerando o lançamento diversos outros clássicos de Blues por dezenas de outras gravadoras. Se Robert Johnson nunca tivesse nascido, o Blues poderia ter sido a base para o inventá-lo. Toda a discografia de Johnson se resume a apenas 29 músicas; isto é infinitamente pouco quando o comparamos com gigantes do Blues como Muddy Waters, John Lee Hooker, Lightnin’ Hopkins e muitos outros. Independente disto muitos estudiosos do Blues e críticos de música concordam que existe mais do que bastante evidências musicais disponíveis para proclamar Johnson como um gênio musical, haja visto que também as suas letras foram analisadas com mais abrangência do outros grandes compositores do Blues.

Nina Simone

2009-05-10T13:25:00.000-07:00

Nina Simone (Tryon, 21 de fevereiro de 1933 — Carry-le-Rouet, 21 de abril de 2003), nascida Eunice Kathleen Waymon, foi uma grande pianista, cantora e compositora americana. O nome artístico foi adotado aos 20 anos, para que pudesse cantar Blues, a “música do diabo”, nos cabarés de Nova Iorque, Filadélfia e Atlantic City, escondida de seus pais, que eram pastores metodistas. “Nina” veio do Espanhol (Niña: menina), e “Simone” foi uma homenagem à grande atriz do cinema Francês Simone Signoret, sua preferida.

Nina Simone também se destacou e foi perseguida por ser negra e por abraçar publicamente todo tipo de combate ao racismo. Seu envolvimento era tal, que chegou inclusive a cantar no enterro do pacifista Martin Luther King. Casada com um policial nova-iorquino, Nina também sofreu com a violência do marido, que a espancava.

Em um breve contato com sua obra, aqueles que não conhecem percebem logo a diversidade de estilos pelos quais Nina Simone se aventurou, desde o gospel, passando pelo soul, blues, folk e jazz. Foi uma das primeiras artistas negras a ingressar na renomada Julliard School of Music, em Nova Iorque. Sua canção “Mississipi Goddamn” tornou-se um hino ativista da causa negra, e fala sobre o assassinato de quatro crianças negras numa igreja de Birmingham em 1963.

Count Basie

2009-05-06T06:24:00.000-07:00

Count Basie é sinônimo de big band, assim como Duke Ellington. Começou com pianista em um cinema, tocou com os Blue Devils do contrabaixista Walter Page e depois com a orquestra de Bennie Moten. A carreira de bandleader começou em 1935, quando recrutou alguns músicos da extinta orquestra de Moten. Basie foi para Nova York com sua recém-organizada orquestra em 1936. O sucesso veio logo. Basie conseguiu esculpir um conjunto que, além de se tornar um dos mais célebres dos anos 30 e 40, estabeleceu um paradigma de excelência comparável apenas ao estabelecido por Ellington.

A primeira fase da orquestra, que vai de 1936 até 1940, se caracteriza por arranjos simples mas eficazes. A segunda fase, de 1940 até 1950, se caracteriza por arranjos mais elaborados, com maior riqueza harmônica. Devido a dificuldades econômicas, a orquestra de Basie teve que ser desativada no período 1950-1951, reduzindo-se a um octeto. Curiosamente, foi precisamente durante essa interrupção que ocorreu a transição da fase “clássica” para a fase dita “moderna” de Basie. Reativada, a orquestra ingressou em sua terceira fase, fazendo grande sucesso em turnês nos anos 50. Atravessou impávida os anos 60 e 70, apesar de já representar, em certo sentido, uma música de outra época. Apesar dos problemas de saúde de Basie nos anos 80, a orquestra era sempre recebida calorosamente e se manteve em atividade mesmo após a morte do líder, preservando aquilo que é uma verdadeira instituição do jazz.

Steve Smith

2009-05-02T13:33:00.000-07:00

Biografia: Steve Smith

Vinnie Colaiuta

2009-04-29T08:03:00.000-07:00

Biografia: Vinnie Colaiuta

Larry Carlton

2009-04-26T05:06:00.000-07:00

Biografia: Larry Carlton

Terje Rypdal

2009-04-23T13:16:00.000-07:00

Terje Typdal nasceu no dia 23 de agosto de 1947 em Oslo, Noruega. Rypdal forjou ao longo do tempo um estilo incomum, misturando elementos encontrados na música new age, rock e jazz. Ligado ao selo ECM desde o começo dos anos 70, a técnica de Rypdal foi aprimorando seus sons densos e espaciais de uma maneira pouco comum.

Apesar de ter sido treinado como um pianista, Rypdal era autodidata em guitarra e no início foi muito influenciado por Jimi Hendrix. Ele freqüentou Universidade de Oslo onde aprendeu o conceito cromático lidiano de organização tonal através de seu criador, George Russell.

Rypdal tocou com Russell durante um tempo e depois começou uma associação com Jan Garbarek no final dos anos 60. Ele formou o grupo Odissey em 1972 e conduziu vários grupos pequenos desde metade dos anos setenta. Importante guitarrista e compositor norueguês, Terje Rypdal recebeu admiração dos críticos americanos de jazz.

Ele gravou continuamente para a ECM a partir de 1972, utilizando como sidemen o saxafonista Garbarek, o pianista Bobo Stenson, o trompetista Palle Mikkelborg, o baixista Miroslav Vitous, o baterista Jack DeJohnette e o violoncelista David Darling.

Jonas Hellborg

2009-04-20T12:18:00.001-07:00

Biografia: Jonas Hellborg

Mário Laginha

2009-04-17T13:10:00.000-07:00

Mário João Laginha dos Santos nasceu em Lisboa, no dia 25 de Abril de 1960.
Da infância guarda bem a imagem do 1º piano vertical que recebeu aos 5 anos. Nessa altura começou a ter aulas particulares, nas quais o repertório clássico se misturava com valsas e modinhas pedidas pelo avô. Sonhava em ser pianista. Mas o sonho tinha momentos menos agradáveis como os recitais de sábado à tarde, exigidos pela escola, perante um plateia de familiares, amigos e professores: “Ó Mário João, vai lá tocar um bocadinho!” O problema é que, para além de pianista, o rapaz também não desdenhava vir a ser bombeiro ou médico…

Cansado de recitais e demonstrações de menino-prodígio, Mário, o rapaz, passou o piano para 2º plano e pediu ao pai uma guitarra. Surgia Mário João Santos, o guitarrista, autodidacta, futuro Paco de Lucia português!

Entre as cordas da guitarra e do piano havia ainda Mário Santos, o ginasta. Seis aparelhos, 4 horas de treino por dia. Se as Olimpíadas não quisessem nada com ele, havia sempre a hipótese de tirar o curso do ISEF (Instituto Superior de Educação Física) e ser professor de ginástica. Uma hipótese encarada com seriedade, não fosse o ginasta ter-se cruzado com Keith Jarrett na televisão.

Frank Gambale

2009-04-16T01:44:00.000-07:00

Frank Gambale (Camberra, 22 de dezembro de 1958) é um guitarrista australiano de jazz fusion. Ele é conhecido principalmente por ter criado e difundido o uso da técnica “sweep-picking.” Escreveu grandes trabalhos como Passages e materiais didáticos como: “Improvisation Made Easier” entre outros.

Jack DeJohnette

2009-04-14T12:44:00.001-07:00

Considerado por muitos como o baterista dos bateristas, Jack DeJohnette parece estar em casa em qualquer que seja o ritmo: free, mainstream, blues, funk ou pop, Jack sempre acrescenta algo extra nesse mix todo.

DeJohnette nasceu em Chicago no dia 09 de agosto de 1942. Iniciou seus estudos no piano clássico até a idade de 10 anos, quando fez a opção pela bateria. Como bacharel da American Conservatory of Music de Chicago, ele trabalhou em vários gêneros musicais, inclusive com a AACM de Lester Bowie e Anthony Braxton, até se mudar para N.Y. em 1966.

Jack entrou e participou do quarteto de Charles Lloyd por três anos, junto com Keith Jarret e Ron McClure. Durante esse tempo, DeJohnette gravou ou atuou com Coltrane, Bill Evans, Monk, Getz e Hubbard entre outros.
DeJohnette fez parte da troupe de Miles Davis nas sessões de "Bitches Brew" em meados 1969 e se juntou ao combo de Miles no outono de 1970 durante um ano. Jack começou a gravar com seus próprios grupos para os selos Milestone, ECM, Impulse! e Blue Note.

Um dos seus trabalhos principais foi e está sendo desenvolvido há mais de 10 anos no "Jarret Standards Trio", junto com Gary Peacock. Outros trabalhos fundamentais na obra de DeJohnette estão nos seus grupos "New Directions" e "Special Edition", onde teve como sidemen, Lester Bowie, Arthur Blythe, David Murray e John Abercombrie entre outros. Esses duas linhas de trabalho estão gravadas pela ECM.

Joel Xavier

2009-04-13T10:32:00.000-07:00

Nasceu em Lisboa no dia da Revolução dos Cravos - 25 Abril 1974!
Aos 15 anos começa a estudar guitarra como autodidacta.
Aos 17 anos grava o 1º álbum "18".
Aos 19 anos vence o concurso de guitarra da "NAMM-SHOW" em Los Angeles, num total de 70 guitarristas, tendo sido considerado pela crítica americana, como um dos 5 melhores guitarristas do ano nos Estados Unidos.

Aos 23 anos é considerado um dos melhores guitarristas latinos do Mundo juntamente com Larry Coryell, Bireli Lagrene, Tomatito, Luis Salinas e Rene Toledo para gravar "Palabra de guitarra Latina" para a BMG-Espanha. Actua juntamente com os musicos que gravaram o álbum no "1º MIDEM LATINO" em Miami e efectua uma digressão pelos melhores auditórios e praças de touros de Espanha, tais como o "Palau de La Musica" em Barcelona ou a "Praça de Touros" de Palma de Maiorca.

Aos 26 anos actua no "Festival de Guitarra de Barcelona" juntamente com Paco de Lucia, Vicente Amigo, Tomatito, John Williams e Ichiro Suzuki.

Em Abril de 2001 convida Bireli Lagrene e Juan Manuel Cañizares a realizar o "1º Encontro de Guitarras em Lisboa".

Em 2003 grava "Lisboa" continuando o projecto musical iniciado em "Lusitano" e convida Toots Thielemans e Carlos do Carmo a participarem no mesmo.

No início de 2003, Xavier é convidado por Richard Galliano a integrar o seu Trio Acústico juntamente com Jean Phillipe Viret (contrabaixista de Stephane Grappelli) e actua em alguns dos mais importantes festivais de Jazz do Mundo (França, Inglaterra, Brasil…).

Em 2004, é convidado pelo Instituto Camões, a ser o representante de Portugal no "Festival de Jazz da Comunidade Europeia", realizado em Rabat, Marrocos".

Em Agosto de 2004, actua com Didier Lockwood nos claustros do "Palácio de Mafra".

Aos 30 anos, grava a duo com Ron Carter em Nova York - "Joel Xavier & Ron Carter, in New YorK". Gravado a 24 de Setembro de 2004 num dos míticos estúdios de Manhatan, este CD regista o encontro entre Joel Xavier e a lenda do Jazz, considerado o melhor contrabaixista de Jazz de todos os tempos - Ron Carter.

Em Dezembro de 2007, grava " SARAVÁ" (CD & DVD), ao vivo no "Teatro São Luiz" em Lisboa.

Django Reinhardt

2009-04-12T01:14:00.000-07:00

O guitarrista Django Reinhardt utilizou da sua ascendência cigana para se tornar o primeiro músico de jazz aclamado vindo da Europa. Nascido em 23 de Janeiro de 1910, em Liverchies, na Bélgica, Reinhardt cresceu em um acampamento cigano fora de Paris. Ele estudou violino, e depois um violão-banjo. Por volta de seus 13 anos, ele já era bom o bastante para tocar em Paris, e em 1922 ele começou a trabalhar profissionalmente.

Mas em 1928, um fogo na caravana mutilou os primeiros dois dedos da sua mão esquerda. Apesar da limitação, Reinhardt se reabilitou, desenvolvendo uma revolucionária técnica de dois dedos. Por volta de 1930, Reinhardt voltou a tocar, dessa vez em cafés no Montmarte enquanto absorvia o jazz das gravações americanas de Louis Armstrong, Duke Ellington, Joe Venuti e do violonista americano Eddie Lang.

Em 1934 ele conheceu o violinista Stephane Grappelli, com quem ele fundou o quinteto “Hot Club of France". O grupo alcançou aclamação internacional e no espaço de um ano gravou mais de 100 discos, incluindo sucessos do jazz, como "Dinah", "Tiger Rag", "Lady Be Good","Stardust" e "St. Louis Blues".

Entre os sucessos da dupla Reinhardt-Grappelli, estão "Djangology", "Minor Swing", “Bricktop", "Swing 39" e o hit internacional, "Nuages". Os críticos ignoraram o trabalho na época, mas agora os consideram clássicos. Muitos americanos que vieram para a Europa tocar com Reinhardt que se vestia como um príncipe cigano para lhe dar um ar de distinção.

Reinhardt se tornou rapidamente o jazzista mais importante da Europa, um fato que agitou muitos músicos americanos. Reinhardt tocou com o Quinteto até 1939, quando Grappelli se mudou para Londres para escapar da Segunda Guerra Mundial. Reinhardt viajou ao redor da Europa e África para fugir dos alemães, tocou em grandes bandas e formou um quinteto novo com o clarinetista Hubert Rostaing; Ele também compôs trabalhos sinfônicos e fez a trilha sonora para um filme de 1946, “Le Village De La Colere”.

Reinhardt fez um tour pelos Estados Unidos com Ellington em 1946, onde ele tocou com um violão amplificado pela primeira vez. Reinhardt voltou para a Europa desiludido com os Estados Unidos, e mudou o seu interesse para o bebop. Ele passou os anos restantes em Samois, França, tocando guitarra, viajando e gravando com um quinteto novo, que às vezes tinha a presença de Grappelli.

Reinhardt será lembrado por desenvolver uma voz de solo sem igual, forjada em raízes ciganas, contendo uma desenvoltura melódica combinada a um talento romântico. Reinhardt morreu de infarto no dia 16 de maio de 1953 em Fontainebleau, França.

Bireli Lagrene

2009-04-11T06:26:00.000-07:00

Birelli Lagrene nasceu em Saverene, França, do dia quatro de setembro de 1966. Quando Bireli surgiu em 1980, soando precisamente como Django Reinhardt, ele foi considerado um grande talento. Nascido (como Reinhardt) de uma família cigana, ele começou a tocar violão quando tinha quatro anos.

Depois de alguns anos e de várias gravações, Lagrene conseguiu ficar longe da influência de Reinhardt, se orientando para um fusion rock, chegando a gravar com Jaco Pastorius em 1986. Ele conseguiu ser mais original, mas por outro lado ficou menos interessante durante este período.

Então, esse guitarrista cigano voltou para um estilo mais próximo do jazz, tocando versões de standards de hard bop e gravando em vários selos, como Antilles, Jazzpoint, Blue Note e Dreyfus.

Buddy Guy

2009-04-10T11:34:00.000-07:00

Um dos maiores representantes vivos do Blues de Chicago. Mestre do gênero. Influenciou toda uma geração de guitarristas desde Jimmy Hendrix até Robert Cray, passando por monstros como Eric Clapton e inúmeros outros que se propõe a fazer o puro Blues.

Billie Holiday

2009-03-31T04:25:00.000-07:00

Billie Holiday (Filadélfia, 7 de Abril, 1915 — Nova Iorque, 17 de Julho, 1959), Lady Day para os fãs, é por muitos considerada a maior de todas as cantoras do jazz.

Nascida Eleanor Fagan Gough, foi criada em Baltimore por pais adolescentes. Quando nasceu, seu pai, Clarence Holiday, tinha quinze anos de idade e sua mãe, Sara Fagan, apenas treze . Seu pai, guitarrista e banjista, abandonou a família quando Billie ainda era bebê, seguindo viagem com uma banda de jazz. Sua mãe, também inexperiente, freqüentemente a deixava com familiares.

Menina americana negra e pobre, Billie passou por todos os infortúnios possíveis. Aos dez anos foi violentada por um vizinho, e internada numa casa de correção. Aos doze, trabalhava lavando assoalhos em prostíbulo e aos catorze anos, morando com sua mãe em Nova York, caiu na prostituição.

Sua vida como cantora começou em 1930. Estando mãe e filha ameaçadas de despejo por falta de pagamento de sua moradia, Billie sai à rua em desespero, na busca de algum dinheiro. Entrando em um bar do Harlem, ofereceu-se como dançarina, mostrando-se um desastre. Penalizado, o pianista perguntou-lhe se sabia cantar. Billie cantou e saiu com um emprego fixo.

Após três anos cantando em diversas casas, atraiu a atenção do crítico John Hammond, através de quem ela gravou seu primeiro disco, em companhia de Benny Goodman. Era o real início de sua carreira. Atingiu a celebridade, apresentando-se com as orquestras de Duke Ellington, Teddy Wilson, Count Basie e Artie Shaw, e ao lado de Louis Armstrong.

Gil Scott-Heron

2009-03-30T07:43:00.000-07:00

Gil Scott-Heron nasceu em 1 de abril de 1949 em Chicago, Estados Unidos, é um músico e poeta, principalmente conhecido no final da década de 1960 e princípio dos anos 1970 por suas atuações de poesia cantada e falada misturando ritmos como Jazz, Funk, Soul e ritmos latinos, relacionadas com os ativistas militantes afro-americanos.

Heron é famoso pelo seu poema/canção “The Revolution Will Not Be Televised”, em português, “A revolução não será televisionada”.

Nasceu em Chicago, Illinois, mas passou sua infância no Tennessee e mais tarde mudou-se para o Bronx, onde cursou seus estudos secundários. Estudou por um ano na Lincoln University (na Pennsylvania), publicou sua primeira novela, The Vulture, que foi bem recebida.

Começou sua carreira musical em 1970 com o LP Small Talk at 125th and Lenox. O álbum incluía canções agressivas contra os meios de comunicação corporativos manejados por brancos, a superficialidade da televisão e o consumismo, e a ignorância da classe média dos Estados Unidos sobre os problemas sociais na época.

Scott-Heron é visto como um dos fundadores do rap.

Thelonious Monk

2009-03-29T06:34:00.000-07:00

Thelonious Sphere Monk era um génio. Nascido a onze de outubro de 1917, Monk se mudou para New York quando tinha cinco anos. Começou a ter lições de piano ainda criança e depois começou a tocar em festas tanto em casas quanto nas igrejas. Monk tinha influência de Teddy Wilson e dos pianistas de stride(J. P. Johnson).

No começo dos anos 40 ele trabalhava com diversos grupos de New York, destacando-se o de Coleman Hawkins. Ele também tocou com Dizzy Gillespie e em 1947, formou sua própria banda, utilizando músicos de talento como Art Blakey, Sonny Rollins e Milt Jackson. Outros sidemen importantes tocaram com Monk, como os saxofonistas John Coltrane e Charlie Rouse.

Monk realizou suas primeiras gravações com a Blue Note em 1947, mas foi sua longa associação com a Riverside (Orrin Keepnews, que também era seu produtor) que o tornou uma grande figura do mundo do jazz. Nos anos 60 ele passou a gravar para a Columbia. Cada álbum de Monk fazia ao ouvinte um convite à aventura do jazz moderno.

Apesar de re-interpretar velhas peças de seu repertório mais conhecido - “Round Midnight", Straight,No chaser", "Ruby, My Dear" e "Epistrophy" – nos últimos discos, em cada um tinha uma nova visão, rica em improvisos e idéias transgressoras.
Nos anos da penumbra, Monk esteve próximo da invisibilidade.

Sua última gravação foi em 1971 para a Black Lion e sua última concerto foi em 1974, no Newport Jazz Festival. Quando morreu em 1982, ele estava quase esquecido, mas alguns anos depois, o jazz voltou a ser popular, com o surgimento da geração dos Marsalis e outros, fazendo uma re-leitura da sua inigualável obra.

Jan Garbarek

2009-03-28T05:47:00.000-07:00

Autodidacta, Garbarek nasceu em 1947 na pequena cidade de Mysen, na Noruega, e decidiu estudar saxofone depois de ouvir pelo rádio, em 1961, um concerto de John Coltrane. No ano seguinte, o seu talento valeu-lhe o primeiro prémio num concurso de músicos amadores. Com apenas 18 anos, foi convidado pelo pianista George Russell para se juntar à sua Big Band. Depois de se ter revelado no seio da orquestra escandinava de Russell, no final da década de 60, Garbarek adquiriu rapidamente, na década seguinte, o reconhecimento geral quando tomou parte do quarteto europeu de Keith Jarrett. Gravando exclusivamente para a companhia ECM, facto que é emblemático e que constitui uma das suas imagens de marca, apresenta um estilo de saxofone original que, embora não reúna o consenso dos meios mais ortodoxos do jazz (principlamente por seu tom estridente), conseguiu atrair sobre esta música muitos outros apreciadores. O público, situado nas franjas do jazz, vai expandir os seus horizontes, alargando-se o número de pessoas que vai passar a interessar-se, desta maneira, pelo fenómeno jazzístico. A sua sonoridade caracteriza-se por um som largo e expressivo, exibindo um apurado sentido melódico e composicional, dotado de uma grande dinâmica onde desfilam todos os tipos de nuances.

Rodrigo Andreiuk

2009-03-27T07:48:00.000-07:00

Biografia: Visite o site do Rodrigo Andreiuk

Obrigado pela colaboração a todos os que passam por aqui.

Jamie Cullum

2009-03-26T01:19:00.000-07:00

Jamie Cullum é um cantor e pianista de jazz contemporâneo inglês que está sendo considerado uma referência na recriação desse gênero musical, que assim como Miles Davis(álbum Doo Bop) George Benson(álbum Irreplaceble)mistura jazz com ritmos como o pop, o hip-hop e nuances latinas. Recriando músicas antigas de jazz de nomes como Frank Sinatra e colocando-as em uma roupagem absolutamente nova, Jamie faz sucesso na Europa e na Ásia, onde além de covers emplaca sucesso de sua própria autoria distribuídos em três cds: Pointless Nostalgic, Twentysomething e Catching Tales.

Cullum Lançou o seu primeiro álbum, Jamie Cullum Trio—Heard it All Before, em 1999, dos quais foram feitas 500 cópias. Devido à sua raridade, cópias originais eram vendidas até £ 600 no eBay. O sucesso de “Heard It All Before”, resultou em Cullum ter sido convidado para aparecer no álbum de Geoff Gascoyne Songs of the Summer. Depois de diplomado da Universidade de Reading, em 2001, Cullum lançou o álbum mais vendido, Pointless Nostalgic, o que suscitou interesse de Michael Parkinson e Melvyn Bragg. (Cullum fez a sua primeira aparição na televisão BBC no show de Parkinson e foi o último musico a cantar no Michael Parkinson Show ‘Final Conversation’ gravado no dia 26 de novembro e transmitido a 16 de Dezembro de 2007.)

Em Abril de 2003, Cullum assinou um contrato de três álbuns com a Universal. O seu terceiro álbum, Twentysomething, lançado em Outubro de 2003, passou a disco de platina e se tornou o álbum #1 vendido por um artista de jazz no Reino Unido.

Oscar Peterson

2009-03-25T02:01:00.000-07:00

Oscar Peterson, canadense de Montreal, nasceu no dia 15 de agosto de 1925 e começou estudando piano clássico aos seis anos. Quando completou quatorze, ganhou um concurso amador e passou a trabalhar regularmente num show de uma rádio local. Com o tempo, ficou famoso na sua cidade, fato esse que não o animava a deixar Montreal.

Mas em 1949 foi persuadido por Norman Granz a integrar a sua trupe "Jazz at the Philharmonic", que excursionava pelos Estados Unidos com celebridades como Roy Eldridge, Zoot Sims e Ray Brown.

Seu sucesso foi imediato, causando enorme empatia com o público jazzístico, fato esse que o fez ganhar várias vezes como melhor pianista, na revista Downbeat, durante os anos 50.
A sua maior popularidade vinha dos trios: o primeiro era formado pelo guitarra de Herb Ellis e o baixo de Louis Hayes; o segundo e também o mais famoso, tinha Ray Brown no baixo e Ed Thigpen na bateria, durou de 1959 a 1965; o terceiro era formado por Sam Jones no baixo e Bob Durham na bateria, durou até 1967.

A partir dessa data, Peterson passou a realizar trabalhos mais pessoais, principalmente através de solos ou duetos, como o gravado com o guitarrista Joe Pass, em Paris, na sala "Le Pleyell". Eventualmente, em excursões, tocava com trios ou quartetos; quando esteve no Brasil no final dos anos 80, o seu trio era formado por David Young no baixo e Martin Drew na bateria.

Muito se tem falado sobre o estilo de interpretação de Peterson; o crítico James Collier o define como eclético. Quando executa suas baladas, se assemelha a Art Tatum, quando toca bebop, lembra Bud Powell; sem contar as influências que teve de músicos como Errol Garner e Teddy Wilson.

Oscar Peterson é um improvisador de muito swing e forte personalidade e, afora a repetição de alguns clichês, sua música é conhecida pela força e vitalidade de seu toque.

Art Blakey

2009-03-24T03:28:00.000-07:00

Art Blakey é um dos maiores bateristas do jazz. Juntamente com Big Sid Catlett, Kenny Clarke e Max Roach, forma o quarteto dos pais da bateria contemporânea. Blakey pontificou basicamente em dois estilos: o Bepop e principalmente o Hard Bop (do qual é um dos artífices), mas também se interessou por outras formas de percussão étnica que alargaram os horizontes do jazz. Além de tocar com Miles Davis e Thelonious Monk, Blakey foi também fundador, líder e catalisador de um grupo bastante influente, que ao longo de décadas teve diversas formações: os Jazz Messengers. Os Jazz Messengers podem ser considerados uma verdadeira academia de jazz: por ali passaram nomes do quilate de Horace Silver, Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard e Wynton Marsalis, entre outros.

O drumming de Art Blakey é poderoso, vital, sempre carregado de energia. Seus solos freqüentemente possuem um caráter espetacular, explosivo. Blakey era de fato um mensageiro do jazz: tudo fazia para promover a prática do jazz e percorreu o mundo em incontáveis turnês. Visivelmente se divertia e se realizava na música: colocava-se de corpo e alma na música que estava tocando. Também é importante ressaltar que ele era um baterista incomparável como acompanhante: por exemplo, a sua colaboração com Thelonious Monk é notável pelo entrosamento que consegue estabelecer com um dos pianistas mais notoriamente difíceis de se acompanhar.

Stephane Grappelli

2009-03-23T01:44:00.000-07:00

O primeiro país em que o jazz fincou suas raízes e depois gerou uma influência significativa foi a França, através da guitarra cigana de Django Reinhardt e o violino de Stephane Grappelli. Grappelli nasceu em Paris no dia 26 de janeiro de 1908 e em 1927 começou a carreira tocando em cabarés e filmes mudos.

Após uma jam session bem sucedida com Django, os dois criaram o quinteto do Hot Club of France que durou de 1934 até 1939. Dessa associação surgiu músicas como "Minor Swing" e "Djangology".

Em 1940, Grappelli começou a sua parceria com o pianista inglês cego, George Shearing, mas também se reunia com Django, esporadicamente até a sua morte em 1953.

Mas a sua carreira na América deslanchou em 1969 no Newport Jazz Festival, numa performance que ia do ragtime ao bluegrass, fazendo de Grappelli uma estrela internacional. Seu estilo doce, bem ritmado, com belas linhas líricas, fez dele um músico popular fora do campo jazzístico.

Além das obras preciosas geradas com Django, Grappelli gravou mais de cem álbuns e entre eles se destacam aqueles realizados com Duke Ellington, Benny Carter, Coleman Hawkins, Earl Hines e Martial Solal. Grappelli morreu em Paris em primeiro de dezembro de 1997.

Ornette Coleman

2009-03-22T04:12:00.000-07:00

Nasceu em Fort Worth, Texas em 1930 e começou a tocar sax-alto em orquestras de rhythm & blues. Depois de viver alguns meses em New Orleans se instalou em Los Angeles, onde foi descoberto em 1958 por Lester Koenig, produtor dos discos Contemporary. Apresentou-se com impacto no Five Spot de New York, em 1959, à frente do quarteto com Don Cherry (trompete), Charlie Haden (baixo) e Billy Higgins (bateria).

Gravou para a Atlantic quatro discos que o transformaram na figura seminal do free-jazz: “Shape of Jazz to Come”, “Change of the Century”, “This Is Our Music” e “Free Jazz”. Após um período de ausência (1962-64), Coleman reapareceu liderando um trio com David Izenson (baixo) e Charles Moffet (bateria), servindo-se eventualmente do violino e do trompete, além de seu sax alto.

Com Dewey Redman (sax tenor) e seu filho Denardo (bateria), formou um novo conjunto, em 1969. Nos anos 70, direcionou sua música no sentido de um jazz híbrido, em que um clima e um ritmo funk são gerados por guitarra e baixo elétrico. Essa música está bem representada nos álbuns que gravou com seu grupo “Prime Time”.

Entre 1958 e 1960, Ornette Coleman detonou o free jazz. É irrelevante se outros músicos naquela época, tocavam free. A verdade é que, ao mesmo tempo em que surpreendia os freqüentadores do Five Spot, de Nova York, em 1959, o quarteto sem piano de Ornette: Don Cherry(trompete ou pocket trumpet), Charlie Haden(baixo) e Billy Higgins( bateria).

Gravou dois discos para a Contemporary ("Something Else" e "Tomorrow Is the Question") e outros dois para a Atlantic ("The Shape of Jazz to Come" e "Change of the Century") que abalaram o jazz estabelecido.

De um ponto de vista histórico, o quarteto Ornette Coleman - Don Cherry de 1959-60 seria uma versão mais moderna do quarteto Gerry Mulligan-Chet Baker do início dos anos 50. Mas, embora os dois quartetos tivessem formação quase idêntica o grupo de Ornette foi o estopim de uma revolução cujo radicalismo era impensável nos tempos do jazz de camera do Gerry Mulligan Quartet.

O manifesto dessa revolução é o álbum "Free Jazz"(Atlantic,1960), uma improvisação coletiva de 38 minutos, cujos protagonistas são oito músicos, formando dois quartetos, sob o comando e inspiração de Ornette (além do quarteto do líder, Eric Dolphy, clarinete baixo; Freddie Hubbard, trompete; Scott La Faro, baixo; Ed Blackwell, bateria).

Depois do marco que foi Free Jazz, suas performances mais notáveis foram gravadas em trio, com o baterista Charles Moffet e o contrabaixista David lzenson, em 1965, no Gyllene Cirkeln de Estocolmo. Ornette não precisa mais que de um baixo e uma bateria para exprimir seu construtivismo melódico intensamente emocional.

Em janeiro e março de 1969, a lmpulse! gravou "Ornette at 12" e "Crisis". O primeiro álbum apresentava o novo baterista de Ornette, seu filho Ornette Denardo(com 12 anos), Dewey Redman (sax tenor) e Charlie Haden (baixo). Crisis, um concerto gravado na New York University, é uma exibição primorosa do mesmo quarteto, acrescido do trompete de Don Cherry.

A partir de "Dancing in Your Head" (Horizon) e "Body Meta"(Artists House), ambos gravados em 1975, Ornette Coleman desenvolve o que chama de uma concepção harmolódica da música. Na verdade, cercando-se de dois guitarristas (Bem Nix e Charlie Ellerbee), do baixo elétrico de Jamaaladeen Tacuma e da bateria de Shannon Jackson, Ornette procura conciliar o seu modo free de soprar jazz no sax alto com o clima rítmico-harmônico do rock.

Essa última fase da obra de Ornette Coleman, bem representada em "Of Human Feelings"(Antilles, 1979), é um happening sonoro rico em decibéis, que fez escola (James Blood Ulmer, Oliver Lake, a Decoding Society de Shannon Jackson), mas que fica na fronteira ambígua e suspeita entre o jazz e a música pop planetária.

Stanley Jordan

2009-03-21T01:44:00.000-07:00

Stanley Jordan (n. Chicago 31 de Julho de 1959) é um músico de jazz. Aclamado como um dos guitarristas que fizeram grandes contribuições técnicas e musicais para o instrumento, Stanley Jordan já se consolidou no rol dos músicos mais significativos de sua área.

Ele é o artista convidado pela operadora Oi para encerrar a fase 2006 do projeto Oi Blues By Night e se apresentará domingo, no Anfiteatro do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura,em Fortaleza, a partir das 20 horas. O projeto trouxe este ano nomes como Nuno Mindelis, Big Joe Manfra, Álamo Leal e Lancaster e a banda curitibana Mister Jack.

A carreira de Stanley Jordan tem fatos tão pitorescos quanto sua técnica. Mesmo formado em teoria musical e composição da Universidade de Princeton, ele escolheu viver a experiência de músico de rua, tocando em Nova York, Filadélfia e várias cidades no Meio Oeste e no Sul do Estados Unidos. A opção, ao contrário de outros casos, deu-lhe notoriedade. Afinal, os comentários davam conta de “um guitarrista incrível que tocava por alguns cents”.

Atraído pela novidade, o executivo Bruce Lundvall, então no selo Elektra Music, o procurou para uma audição e, impressionado, convidou o artista para gravar. Stanley Jordan recusou - acreditava que não estava pronto e queria se dedicar à música com a mesma intensidade com que se dedicava à família.

Um ano e meio depois, Lundvall - já na recém-reativada Blue Note Records - voltou à carga e Stanley Jordan se tornou, então, o primeiro artista da nova fase do lendário selo. O álbum que se seguiu, Magic Touch (1985), foi primeiro lugar no quadro de jazz da revista Billboard por 51 semanas e rendeu a Stanley Jordan duas indicações para o Grammy e Disco de Ouro certificado nos EUA e Japão.

Oferecendo uma síntese inteligente e sensível de estilos de jazz, Magic Touch tocou fundo o público em geral. Sua versão de “The Lady in My Life”, de Michael Jackson, é considerada um padrão definitivo para o gênero conhecido como jazz contemporâneo.

Em 1990, ele lançou o álbum Cornucopia. Extremamente aplaudido e também indicado para o Grammy, Cornucopia não deixou nenhuma dúvida: Stanley Jordan continuava a crescer musicalmente. Jordan, em seguida, se mudou para a gravadora Arista e, em 1994, lançou Bolero. O disco inclui uma versão groove-orientada de Bolero de Ravel.

Na atual fase, que inclui o Brasil como roteiro obrigatório de turnês, Stanley Jordan tem feito seguidas apresentações com uma banda formada por músicos brasileiros do mais alto calibre. Com Ivan “Mamão” Conti na bateria, integrante do lendário grupo Azymuth, e o talentoso baixista mineiro Dudu Lima no baixo acústico, elétrico de 4, 5 e 6 cordas e fretless, o guitarrista alcançou um entrosamento e uma química quase mágicas.

Interpretando clássicos da música brasileira e da bossa nova, além dos standards do jazz e músicas próprias, o trio acabou desenvolvendo um trabalho de altíssima qualidade que já foi comprovado em mais de 40 shows no País, o que resultou em sessões de gravação que podem render um trabalho futuro já bastante aguardado.

Dave Brubeck

2009-03-20T15:02:00.000-07:00

O pianista, o compositor e bandleader Dave Brubeck é mais que um artista de jazz. Ele compôs e gravou vários trabalhos em larga escala, incluindo pelo menos dois balés, um musical, um oratório, quatro cantatas, uma missa e obras para grupos de jazz e orquestra. Além de tudo isso, Brubeck possui um estilo de piano bem personalista dentro do cenário do jazz, combinando um senso lírico agudo e uma força musical dramática que advém dos anos de execução. Acrescente-se a isso a sua clara conexão clara com a história do piano no jazz, incluindo o stride e o honky tonk, e você vai encontrar um iconoclasta popular e controverso.

Nascido em Concord, California, no dia seis de dezembro de 1920, Brubeck recebeu treinamento em música clássica desde pequeno com sua mãe e aos treze já estava tocando como um profissional. Ele estudou composição clássica com Darius Milhaud; em 1949 gravou com o Jazz Workshop Ensemble (também conhecido como Dave Brubeck Octet), além de formar o Dave Brubeck Trio com Cal Tjader e Norman Bates. Em 1951, Paul Desmond se uniu ao trio, formando um quarteto junto com Ron Crotty ( substituto de Bates).

As maiores realizações de Brubeck começaram com a época do jazz nos campus durante os anos cinqüenta. Este foi o quarteto "clássico" de Brubeck, um grupo que duraria até 1967 e que gravou alguns dos eternos clássicos do jazz: "Take Five" e "Blue Rondo A La Turk". A partir dos anos setenta Brubeck se concentrou em composição e formou várias bandas, inclusive uma com Gerry Mulligan.

Charlie Haden

2009-03-19T12:22:00.000-07:00

Charles Edward Haden nasceu em Shenandoah, Iowa em 06 de agosto de 1937. Começou sua atividade profissional em 1959 com o quarteto de Ornette Coleman, que logo dirigiu suas pesquisas em direção ao free jazz e a gravar discos que viraram marcos do jazz, “Change of the Century” e “The Shape of the Things to Come”.

Em 1960 participou da histórica gravação de Coleman, “Free Jazz”, onde dois quartetos sem pianos executam simultaneamente a mesma música. Em Haden, a técnica perfeita se une a um som plástico e poderoso que consegue produzir efeitos raros de extraordinária beleza. Com isso, conseguiu notoriedade internacional, apesar de levar uma vida pessoal atribulada.

Em 1964 trabalhou no trio do pianista Denny Zeitlin e em 1966 voltou com Coleman e ao mesmo tempo começou uma operativa série de colaborações junto a importantes nomes do jazz contemporâneo: Archie Shepp, Keith Jarrett, John McLaughlin, Joe Henderson, entre outros. Participou também das reuniões e gravações da Jazz Composers Orchestra junto com Carla Bley e Steve Swallow e em 1969 realizou seu primeiro disco junto com a “Liberation Music Orchestra”.

Foi um disco de grande importância pela originalidade dos arranjos(Carla Bley) e pela mensagem política que continha em seu contexto. Na década de 70 desenvolveu com Don Cherry um quarteto chamado “New and Old Dreams”, fazendo concertos e realizando gravações. Nesse mesmo período participou do quarteto de Keith Jarrett, ao lado do baterista Paul Motian e do tenorista Dewey Redman(pai de Joshua Redman, neo-bopper dos anos 90). No final dos anos 80 formou o combo Quartet West, junto o saxofonista Ernie Watts e que está até hoje em plena atividade.

Carla Bley

2009-03-18T07:03:00.000-07:00

A compositora, pianista, organista e bandleader Carla Bley tem desenvolvido uma alta reputação como uma das melhores compositoras e arranjadoras para jazzband. Nascida em Oakland, California, no dia 11 de maio de 1938, Carla recebeu aulas de piano e órgão desde muito cedo, pelo seu pai, que era um professor. Ela também cantava em coros de igreja e tocava hinos. Quando tinha 17 anos, Carla já estava escutando jazz e começava a sua mudança para New York.

Em 1957, ela casou com o pianista Paul Bley. Carla começou a compor em 1959, encorajada pelo marido Paul. Seus trabalhos começaram a ser executados por músicos de New York e proximidades, dentre eles se destacando George Russell, Art Farmer e Jimmy Giuffre. Ao mesmo tempo, em meados de sessenta ela tocava com Pharoah Sanders e Charles Moffett.

Com o segundo marido, Michael Mantler, formou em 1964, a Jazz Composers Orchestra. A JCO refletiu o trabalho de Carla direcionado ao movimento do free jazz, particularmente dentro do estilo de Ornette Coleman e Don Cherry. Uma viagem para a Holanda em 1965 para gravar em estúdio foi o começo de uma série de viagens que realizou entre os Estados Unidos e a Europa, incluindo colaborações com Steve Lacy e Peter Brotzmann.

Carla eventualmente sentia vontade de sair do free jazz realizando trabalhos dentro do jazz "mainstream", como o álbum "A Genuine Tong Funeral" composto por ela e executado pelo grupo do vibrafonista Gary Burton em 1967. Sua ópera de jazz, “Escalator Over The Hill"(1967-71), e o álbum que realizou junto com a Charlie Hadens Liberation Music Orchestra(1969), representou um ponto de mutação no trabalho de Carla, fazendo com que ela se concentrasse mais em composição.

“Escalator Over The Hill”, criada com elementos de jazz, rock e world music, ganhou o prêmio francês mais renomado, o Disque de Jazz em 1973. No mesmo ano, ela criou o selo Watt Records junto com Mantler para gravar seus trabalhos, deixando o outro selo, JCOA Records para ser utilizado por outros artistas.

Nos anos seguintes, Carla foi convidada a compor música clássica, ela tocou na Jack Bruce Band, formou grupos próprios, inclusive big bands, e tem realizado vários trabalhos com o baixista Steve Swallow e o saxofonista Andy Sheppard. Seus trabalhos têm sido requisitados tanto pelos músicos clássicos e de jazz.

Toots Thielemans

2009-03-17T13:56:00.000-07:00

Jean Thielemans, nasceu em Bruxelas em 1922 e aos três anos tocava acordeon num bar de seus pais. Ele cresceu na era do swing, com a presença dos estilos cigano de Django e elétrico de Christian.

Embora não tenha planejado ser músico, foi durante a grande guerra que aprendeu a tocar harmônica e descobriu o jazz. Ele ganhou uma guitarra e aprendeu a tocá-la ouvindo Django.

No final dos anos 40 Toots teve um contato com o bebop, tocou em 1949 com Benny Goodman e dois anos depois estava com Miles e Milt Jackson no Charlie Parkers All Stars. De 1952-59 ele foi um sideman constante no grupo de George Shearing.

Em 63 ele compôs uma valsa-jazz "Bluesette", que se tornou um sucesso, sendo gravada por vários músicos em todo o mundo. Por outro lado, Toots gostava de trabalhar em estúdios e gravar jingles e deixou o jazz por alguns anos.

Mas no final dos anos 60 ele não resistiu aos convites de Quincy Jones para gravar no selo A&M, onde se destaca o disco "Smackwater Jack". Toots participou das trilhas sonoras de filmes como Midnight Cowboy, Sugarland Express e The Getaway.

A partir dos anos setenta, ele gravou com Bill Evans o belo disco Affinity e outros com Ella Fitzgerald, Paul Simon, Shirley Horn e Pat Metheny. Thielemans também esteve próximo da música brasileira através do seu Brazil Project, e da sua co-participação nos discos de Elis Regina e Ivan Lins.

Seu último disco foi com a Windham Hill "Chez Toots" contando com a participação de estrelas como Diana Krall, Dianne Reeves e Shirley Horn.

Egberto Gismonti

2009-03-16T10:47:00.000-07:00

Filho de pai libanês e mãe siciliana, Gismonti nasceu em 1947 na pequena cidade de Carmo, fronteira de Minas com Rio de Janeiro(Carmo é nome do selo que Egberto mantém há mais de uma década).

Ele começou a estudar piano com cinco anos, depois foi a vez da flauta e clarinete e quando adolescente arriscou com o violão. Passou uma temporada em Paris onde desenvolveu sua técnica com a professora Nadia Boulanger.

Depois da estadia francesa, Egberto voltou ao Brasil e começou a gravar sua obra dentro da temática brasileira e tocou com Airto Moreira e Flora Purim.

A longa e frutífera associação de Gismonti com a ECM começou em 1976, quando ele gravou o aclamado "Dança das Cabeças", junto com o percussionista Naná Vasconcelos, só voltaram a gravar em 1985 com o álbum "Duas Vozes".

Projetos posteriores trouxeram a Gismonti as colaborações de Jan Garbarek, Collin Walcott, Ralph Towner e Charlie Haden, com quem ele gravou o simples e singelo álbum, Folk Songs.
Em 1981, ele realizou Sanfona, Com o grupo Academia de Danças, e um álbum solo: retratos de um artista, de dois ângulos diferentes.

Nos anos noventa, os álbuns Infância e Música de Sobrevivência registraram a evolução do grupo, que, em ZigZag, está reduzido a um trio, com Nando Carneiro, Zeca Assumpção no baixo e Gismonti nas guitarras de 10 e 14 cordas e piano.

Louis Armstrong

2009-03-15T09:39:00.000-07:00

Um dos mais importantes músicos do século XX, o pioneiro do jazz, Louis Armstrong, nasceu em New Orleans no dia quatro de julho de 1900. Teve uma infância pobre, quase sempre cantando nas ruas por sobrevivência.

Em 1912 ele foi preso por dar tiros de pistola na festa de ano novo e portanto, conduzido a um reformatório. Apesar do infortúnio, foi nesse instituição que Armstrong aprendeu a tocar corneta e quando saiu do reformatório em 1914 ele começou a tocar nas bandas de jazz.

Como demonstrava talento, acabou nas graças do grande jazzista da época, o seu padrinho King Oliver, tocando em diversas formações, tanto em New Orleans quanto em Chicago.

No início dos anos vinte, Armstrong depois de gravar com Oliver seus primeiros discos, mudou para New York e lá trabalhou na orquestra de Fletcher Henderson. Durante esse período, Amstrong uma série de clássicos, tanto com os grupos de Henderson quanto com cantores de jazz e blues.

Através da interferência de sua mulher, a pianista Lil Hardin, Louis formou seus famosos Hot Five e Hot Seven, e durante essa época foi apelidado de "Satchmo" – abreviação de "Satchel Mouth" – devido às grande volume das bochechas obtido quando tocava trompete.

Em 1927 Armstrong trocou a corneta pelo trompete e nesse mesmo ano ele popularizou o estilo "scat" cantando "Heebies Jeebies". Com o passar do tempo, a popularidade de Armstrong cresceu muito, como seu estilo único de suingar, com sua voz grave dominando as ondas do rádio, tudo isso fazendo dele o músico de jazz mais famoso de sua época.

Em meados dos anos trinta ele fez sua primeira excursão na Europa, entre as inúmeras que realizou para difundir a cultura americana através de uma música única e vibrante. O estilo de tocar e cantar de Armstrong se tornou uma grande referência tanto para músicos quanto para cantores, como Bing Crosby e Ella Fitzgerald.

Seus poderosos solos transformaram o jazz de conjuntos que tocavam a música uniformemente para outras formações centradas nos solos e improvisos. Desafortunadamente, na metade dos anos 40, o jazz passou a ser comandado pelo bebop tornando o estilo de Armstrong ultrapassado, deixando de ser uma referência para os novos músicos.

Armstrong fundou um sextet denominado de All-Stars, um conjunto que se baseava nos estilos New Orleans e swing, grupo esse que tinha sempre a sua presença cativante e bem humorada. Continuou a excursionar com o seu grupo, como embaixador do jazz, até a sua morte ocorrida no dia seis de julho de 1971.

Michael Brecker

2009-03-14T10:47:00.000-07:00

O saxofonista-tenor Michael Brecker passou muito tempo na estrada antes de gravar seu primeiro álbum solo. A maior parte da sua carreira como músico de estúdio aparecendo freqüentemente como sideman de grupos de jazz ou em bandas acompanhando cantores populares.

Brecker nasceu em Philadelphia no dia 29 de março de 1949 e começou inicialmente com a clarineta e sax-alto antes de trocar para o sax-tenor na high school. No começo ele tocou em bandas de rock e de r&b. Em 1969, ele mudou para New York, e logo se uniu ao grupo de fusion Dreams.

Brecker estava com Horace Silver durante 1973-74, quando junto com o baterista Billy Cobham, eles co-lideraram o Brecker Brothers ao lado do seu irmão trompetista Randy Brecker, até o final dos anos 70. Ele estava no Steps (mais tarde Steps Ahead) no início de 80, tocando um EWI (instrumento de sopro eletrônico).

Com a gravação do seu primeiro álbum como um líder em 1987, quando ele já tinha 38 anos, Brecker começou com freqüência a entrar em projetos mais ousados de jazz. Ele gravou como um líder em 1988 e 1990, se associou a McCoy Tyner em 1995 para gravações de jazz mais recompensadoras e viajou com Brecker Brothers numa breve reunião do grupo.

Em 1998 gravou "Two Blocks From the Edge" e um ano depois, Brecker apresentou "Time Is of the Essence". Em 2001 lançou " Nearness of You: The Ballad Book".

Baden Powell

2009-03-13T09:05:00.000-07:00

Baden Powell, um dos violonistas seminais do instrumental brasileiro, nasceu em Varre-e-Sai, estado do Rio de Janeiro no dia seis de agosto de 1937. Foi criado dentro de uma família de músicos: seu avô tinha dirigido a primeira orquestra da cidade, da qual participavam seu tio e seu pai, que tocava violino.

Aos nove anos começou a estudar violão, mas só ficou famoso no Brasil quando constituiu uma parceria com Vinicius de Moraes, que escreveu versos para suas composições, criando o gênero dos afro-sambas.

Tocava a música tradicional brasileira, mas amava o jazz e logo desenvolveu um estilo que se baseava em Django Reinhardt e Barney Kessel. Passou a ser conhecido internacionalmente em 1966 quando Joaquim Berendt teve a oportunidade de conhecê-lo, convidando-o para gravar seu primeiro disco e visitar a Europa.

O sucesso não lhe abandonou e sua fama foi aumentando com seus discos, principalmente na Alemanha. Continuou dando concertos, também nos Estados Unidos, onde teve a oportunidade de se apresentar com Stan Getz.

E sem dúvida o melhor guitarrista brasileiro de jazz desde os inícios da bossa nova. Já gravou muitos discos entre os quais é preciso mencionar “Baden Powell Quartet”, um álbum duplo gravado para a Barclay, “Stephane Grappelli - Baden Powell”(Fontana) e “Baden Powell”(MPS).

Depois de passar várias semanas no hospital,Baden Powell morreu a 26 de setembro de 2000, aos 63 anos.

Ron Carter

2009-03-12T14:33:00.000-07:00

Ron Carter, que além do contrabaixo, toca violoncelo, clarinete, violino, trombone e tuba, nasceu em Ferndale, Michigan no dia 04 de maio de 1937. Carter começou a tocar violoncelo com dez anos. Mas quando a família mudou de Ferndale para Detroit, Carter teve problemas com estereótipos raciais relativo ao violoncelo; portanto, ele o substituiu pelo contrabaixo.

Ele tocou na “Eastman School Philharmonic Orchestra” e colou grau em 1959. Ele mudou para New York e tocou no quinteto de Chico Hamilton com Eric Dolphy, enquanto também se matriculava na Manhattan School of Music, onde tirou o mestrado em 1961.

Depois que Hamilton voltou à West Coast em 1960, Carter ficou em New York e tocou com Dolphy e Don Ellis; depois editou suas primeiras gravações com eles. Ele trabalhou com Randy Weston e Thelonious Monk, ao mesmo tempo em que tocava e gravava com Jaki Byard no início de 60.

Carter também viajou e gravou com o trio de Bobby Timmons, e tocou com Cannonball Adderley. Ele se juntou ao grupo de Art Farmer pouco antes dele em 1963 se tornar um integrante do Miles Davis Quintet. Carter permaneceu com Davis até 1968, formando em meados de 60 uma seção rítmica com Herbie Hancock e Tony Williams que trouxe algo de novo e mais livre ao jazz.

Ao longo do tempo constituiu um perfil que o conduziu a ser o baixista que mais gravou na história do jazz; algumas fontes reivindicam 500, outras calculam 1.000 sessões. Carter foi integrante da New York Jazz Sextet e New York Jazz Quartet, V.S.O.P. Tour, Milestone Jazzstars, e estava presente em um dos grupos que tocavam no filme "Round Midnight" em 1986.

Ele liderou seus próprios grupos desde 1972, usando um segundo baixista para manter o tempo e estabelecer harmonia para que ele possa solar livremente. Carter inventou seu próprio instrumento, o piccolo bass. Carter também contribuiu para muitos arranjos e composições tanto para seus grupos quanto para outra bandas.

Ella Fitzgerald

2009-03-11T09:38:00.001-07:00

Ella Fitzgerald nasceu a 25 de abril de 1917 em Newport News, Virginia. Vivendo dentro de uma família pobre, Fitzgerald foi uma sem-teto durante algum tempo antes de se lançar na carreira profissional em 1934, com sua vitória numa competição amadora no Apolo Theater.

Contratada pelo baterista e líder de banda Chick Webb, Fitzgerald se tornou a parte mais importante da orquestra de Webb com a magnífica interpretação de "A-Tisket, A-Tasket" entre outros sucessos. Quando Webb morreu em 1939 Fitzgerald assumiu liderança da sua banda durante os próximos dois anos.

Em 1941 ela começou uma carreira de solo, ao mesmo tempo em que se tornava uma das vocalistas mais populares dos anos quarenta graças a uma série de standards lançados pela gravadora Decca.

No final dos anos 40 Fitzgerald começou a deixar o swing e o popular para voltar às raízes do jazz adotando o bop, muito em voga na época. Ela começou a utilizar o scat singing, estilo de canto popularizado por Louis Armstrong, o que aumentou sua credibilidade no cenário de jazz.

No final de 50 Fitzgerald começou a gravar Para a Verve várias séries de álbuns dedicados às canções de artistas como George Gershwin, Cole Porter, Jerome Kern e Duke Ellington.

Fitzgerald entava em seu período "clássico", sendo melhor conhecida do que já era. Para o fim da década de 60 ela adotou material popular mais contemporâneo, seguindo para a Pablo de Norman Granz onde ela se voltaria mais uma vez para o jazz.

Na década de 80 Fitzgerald estava sofrendo de problemas de saúde e com declínio vocal ela deixou de gravar em 1989, vindo a falecer em 14 de junho de 1996.

Gary Burton

2009-03-10T11:32:00.000-07:00

A despeito de seu consistente trabalho e inspirada técnica de quatro baquetas, o vibrafonista Gary Burton não tem sido lembrado, pois quando se pensa em vibrafone os nomes mais citados são os de Milt Jackson e Bobby Hutcherson.
Entretanto, seu trabalho como educador na Berklee College of Music, onde trabalha como professor, tem recebido tanto atenção quanto a sua carreira jazzística.

Burton nasceu em Anderson, Indiana, 23 de janeiro de 1943. e começou aprendendo a tocar piano aos seis anos. Continuou os estudos em piano e composição na high school, e foi aí que optou em tocar vibrafone. Burton ingressou na Berklee no começo dos anos 60, depois excursionou e gravou com o combo de George Shearing.

Burton mais tarde trabalhou com Stan Getz, e daí em diante começou a formar seus próprios quartetos, especialmente aquele que incluía o guitarrista Larry Coryell. Burton ficou muito tempo ligado ao selo ECM, onde gravou além de seus trabalhos nos quartetos, os duos com Chick Corea e Keith Jarrett.

Depois da ECM, Burton ficou pouco tempo no selo GRP e mais tarde se transferiu para a gravadora Concord, onde gravou em 1999, "Like Minds" com Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes e Dave Holland. Entre os seus melhores discos estão "A Genuine Tong Funeral(Carla Bley)" e "The New Quartet" na ECM.

Hiromi Uehara

2009-03-09T04:13:00.000-07:00

Hiromi Uehara começou a tocar piano clássico com seis anos de idade, e aos 15 anos ela já havia tocado com a Orquestra Filarmônica da República Tcheca. Com oito anos, Hiromi conheceu o jazz e se apaixonou pelo estilo musical. Quando tinha 17 anos, Chick Corea conheceu o som dessa jovem japonesa em Tókio, e chegou a convidá-la para tocar com ele no mesmo dia. Hiromi foi estudar música nos Estados Unidos com Ahmad Jamal, o pianista favorito de Miles Davis. Antes mesmo de se formar, ela já tinha assinado contrato com o selo independente norte-americano, Telarc.

O primeiro disco em 2003, Another Mind, contava com um trio afinadíssimo, Hiromi no piano, Mitch Cohn no baixo e Dave DiCenso na bateria. Já no segundo trabalho em 2004, Brain, Tony Grey assumiu o baixo e Martin Valihora a bateria. Com essa mesma formação, Hiromi lançou o terceiro disco em 2005, Spiral. Em 2006 o trio adicionou o guitarrista David Fiuczynski e transformou-se em Hiromi’s Sonicbloom. Com esta nova formação, o quarteto lançou o disco Time Control em 2007.

John Mclaughlin

2009-03-08T13:54:00.000-07:00

Guitarrista, compositor, pianista e tecladista, McLaughlin, nasceu em Yorkshire, Inglaterra no dia 4 de janeiro de 1942. Autodidata, começou muito jovem sua carreira tocando no final dos anos cinqüenta com o grupo “Big Pete Deuchar and his Professors of Ragtime”. No começo dos sessenta atuou com alguns dos mais importantes músicos de r&b britânicos, como Graham Bond, Ginger Baker, Jack Bruce e Brian Auger.

Interessou-se pelo jazz e fez parte de alguns grupos liderados pelo saxofonista John Surman, trabalhando junto com Dave Holland, Karl Berger, Stu Martin e outros. No final dos sessenta, realizou com Surman alguns LPs interessantes como, “Extrapolation” e “Where Fortune Smiles”, que puseram à mostra sua ótima técnica e seu estilo muito pessoal.

Mudou para os Estados Unidos em 1969 e entrou para o conjunto “Lifetime” de Tony Williams, que encontrou em John McLaughlin o parceiro ideal para realizar uma mistura especial de jazz e rock que o grupo produziu naquele período. Gravou com o Lifetime, dois álbuns muito importantes: “Turn It Over” e “Emergency”.

Graças à colaboração com Tony Williams, McLaughlin entrou em contato com Miles Davis, que estava então elaborando o jazz fusion. O guitarrista participou na gravação de “In a Silent Way” e de “Bitches Brew”, dois álbuns fundamentais no desenvolvimento ao jazz-fusion e muito importante para o próprio McLaughlin.

Ao mesmo tempo dedicou-se ao estudo da guitarra acústica e realizou seu primeiro álbum, intitulado “Devotion”. Mais tarde, convertido ao hinduismo, gravou junto com Billy Cobhan e o Miroslav Vitous, o álbum “Spaces”, liderado pelo guitarrista Larry Coryell. Pouco depois gravou com seu nome “My Goals Beyond”, um disco no qual tenta expressar seu novo credo religioso. Contribuíram na realização desse álbum, os músicos Charlie Haden, Dave Liebman, Billy Cobhan, Jan Hammer e Airto Moreira.

Em 1971 fundou a Mahavishnu Orchestra (junto com Billy Cobhan e Jan Hammer), um dos grupos mais conhecidos e apreciados do jazz-rock. Com a Mahavishnu Orchestra, McLaughlin gravou alguns álbuns, entre os quais, “The lnner Mountain Flame”, considerado um dos melhores do jazz elétrico. Ao ser dissolvida a Mahavishnu Orchestra, McLaughlin atravessou um período de crise, com discos de qualidade muito modesta.

No final dos anos setenta, lança um disco intitulado “John McLaughin: E1ectric Guitarrist”, junto a alguns dos mais célebres músicos da nova geração: Chick Corea, Stanley Clarke, Tony Williams, Billy Cobham e Jack DeJohnette. Em 1981, participou, junto a dois grandes guitarristas, o espanhol Paco de Lucia e o norte-americano Al Dimeola, de gravações e excursões por todo o mundo.

Chick Corea

2009-03-08T00:22:00.000-08:00

Pianista, organista, tecladista e compositor, Armando Anthony “Chick” Corea, nasceu em Chelsea, Massachussetts, a 12 de junho de 1941. Iniciou seus estudos musicais em 1947 e desde cedo Horace Silver e Bud Powell foram suas maiores influências.

Corea ganhou experiência tocando com as bandas de Mongo Santamaria e Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, e Stan Getz. Ele fez sua estréia, gravando como líder em 1966 e em 1968 com seu trio(Miroslav Vitous e Roy Haynes), o clássico free "Now He Sings, Now He Sobs".

Depois de uma curta estadia com Sarah Vaughan, Corea se uniu a Miles Davis para substituir Herbie Hancock, ficando no grupo num período transitório muito importante (1968-70). Ele foi persuadido por Miles a tocar o piano elétrico, que está presente em álbuns significativos como "Filles de Kilimanjaro", “In a Silent Way", "Bitches Brew" e "Miles Davis at the Fillmore".

Quando deixou Davis, Corea optou por tocar piano acústico no grupo de vanguarda "Circle", quarteto composto por Anthony Braxton(sopros), Dave Holland(baixo), e Barry Altschul(bateria). Mas ao final de 1971 ele voltaria a mudar sua trajetória musical.

Corea tocou um pouco com Stan Getz antes de formar seu famoso grupo Return to Forever, com influência melódica brasileira na sua primeira formação, junto com os músicos Stanley Clarke(baixo), Joe Farrell(sax), Airto(percussão), e Flora Purim(vocal).

Um ano depois, Corea mudou de novo o Return to Forever com as entradas de Al DiMeola(guitarra) e Lenny White(bateria), se voltando para o fusion. Depois de um bom Corea retomou o acústico, gravando em vários contextos: duetos com Gary Burton e Herbie Hancock, um quarteto com Michael Brecker, trios com Miroslav Vitous e Roy Haynes, tributo para Thelonious Monk e até mesmo um pouco de música clássica.

Quando Patitucci iniciou sua carreira própria no começo de 90, Corea continuou liderando grupos estimulantes. Durante 1996-1997, Corea excursionou com um super quinteto que tinha Kenny Garrett(sax) e Wallace Roney(trompete) para executar as composições de Bud Powell e Thelonious Monk em novas versões. Ele permanece como uma das forças importantes no jazz moderno, hoje liderando um novo grupo, o Origin.

Dizzy Gillespie

2009-03-06T08:48:00.000-08:00

Dizzy Gillespie era um admirador do estilo de Roy Eldridge, músico de transição entre o swing e o bop, quando se familiarizou com os acordes de Thelonious Monk e o fraseado de Charlie Parker. Dominando como poucos a massa sonora do trompete, não lhe foi difícil desenvolver a linguagem do bop no que ela tinha de mais complexo e virtuoso.

Nasceu em Cheraw, Carolina do Sul em 1917 e começou a estudar trompete aos 14 anos, tornando-se músico profissional aos 18, em Filadélfia. Já em 1937, viajou para a Europa com a orquestra de Teddy Hill. De volta aos Estados Unidos, destacou-se na seção de metais da orquestra de Cab Calloway (1939-41).

Conheceu Charlie Parker na orquestra de Earl Hines (1942/43), e com ele participou das jam sessions do Minton's, da orquestra de Billy Eckstine e com ele fundou o histórico quinteto que gravou os clássicos bop "Salt Peanuts" e "Hot House" em 1945.

Em 1946, Dizzy organizou a primeira big band tipicamente bop, integrando, em diversos arranjos, o ritmo afro-cubano ao idioma jazzístico. A orquestra fez grande sucesso na Europa, em 1948, mas foi desfeita em 1950. Também como Charlie Parker, Dizzy participou dos concertos das séries "Jazz At The Philarmonic" até 1956, quando reorganizou sua grande orquestra para uma tournée pela Ásia, Oriente Médio e América do Sul, inclusive o Brasil.

A partir de 1958, e durante a década de 60, voltou a liderar pequenos conjuntos, dos quais os quintetos com Lalo Schifrin (piano), Leo Wright (sax alto), James Moody (sax tenor) e Kenny Barron (piano) foram os mais bem-sucedidos. Para a Pablo, Gillespie gravou em concertos e festivais, nos Estados Unidos e na Europa, mostrando que é também um excepcional vocalista bop e um completo showman.

Compôs alguns dos mais célebres temas bop, como "A Night in Tunisia", "Groovin' High", “Con Alma", "Manteca" e "Woodyn' You". Dizzy Gillespie faleceu em janeiro de 1993, em Englewood, New Jersey, devido à um câncer pancreático.

Pedro Madaleno

2009-03-04T07:46:00.000-08:00

PEDRO MADALENO é musico de jazz e compositor (guitarras e guitarra sintetizador). Formou-se na escola de jazz do Hot Club de Portugal em 1985. Estudou 4 anos de piano clássico e completou o 6º ano de educação musical no Conservatório Nacional. Foi Bolseiro nas escolas Berklee School of Music em Boston e na New School of Social Research (Jazz Program) em New York, tendo sido aluno de Lee Konitz, Jim Hall, John Abercrombie, e Karl Berger. Nos EUA tocou em “jam session” com Arnie Lawrence, Jimmy Cobb, Karl Berger, Andy Gonzalez, Roy Hargrove, Kenwood Dennard, entre outros. Como compositor estudou intensivamente nos EUA de 1987 a 1990 com Aydin Esen, Ken Werner, Anthony Davis e Karl Berger. Em Portugal, é professor na escola de Jazz do Hot Club onde lecciona diversas disciplinas, como Harmonia, Gamala Taki, Jazz Electrico, Arte do Trio e Composição. Criou os seguintes grupos: “Pedro Madaleno Grupo” , “Pedro Madaleno Standards Trio”, “Underpressure” , “Art Vanguard Trio” e “Earth Talk” e tem actuado em concertos por todo o país. De salientar que" Pedro Madaleno Grupo" foi o grupo de jazz escolhido pela Secretaria de Estado da Cultura para realizar o projecto Itinerâncias, uma tournée de vários concertos pelos Açores e Alentejo. Tocou em quase todos os festivais de Jazz do nosso pais e ilhas, Angola, China e Alemanha.

António Pinho Vargas

2009-03-04T07:28:00.000-08:00

António Pinho Vargas nasceu em Vila Nova de Gaia, em 1951. Licenciou-se em História pela Faculdade de Letras do Porto. Diplomou-se em Composição no Conservatório de Roterdão em 1990, onde estudou 3 anos com o compositor Klaas de Vries, como bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian. Foi condecorado pelo Presidente de República Portuguesa com a Comenda da Ordem do Infante D. Henrique, em 1995. É professor de Composição na Escola Superior de Música de Lisboa desde 1991. Frequentou cursos e seminários de composição com Emmanuel Nunes em Portugal, John Cage e Louis Andriessen na Holanda, Gyorgy Ligeti na Hungria e Franco Donatoni em Itália. Desempenhou as funções de assessor na Fundação de Serralves (Porto), entre 1994 e 2000, e no Centro Cultural de Belém, entre 1996 e 1998.

Ligado ao jazz vários anos, gravou 7 discos com dezenas de composições originais e tocou em muitos países da Europa e nos EUA, com músicos como Kenny Wheeler, Steve Potts, Paolo Fresu, Arild Andersen, Jon Christensen e Adam Rudolph. Com o seu grupo de jazz apresentou-se em Espanha, França, Itália, Alemanha, Bélgica, Holanda, Reino Unido, ex-Jugoslávia, Estados Unidos, Cabo Verde, África do Sul e Macau. Gravou Outros Lugares (1983), Cores e Aromas (1985), As Folhas Novas Mudam de Cor (1987), Os Jogos do Mundo (1989) Selos e Borboletas (1991), A Luz e a Escuridão (1996), e a colectânea As Mãos (1998). Recebeu por três vezes o Prémio de Imprensa Sete de Ouro para o melhor disco instrumental do ano. Compõe também música para teatro e cinema, nomeadamente para os filmes de João Botelho: Tempos Difíceis (1988) - Prémio I.P.C. para a melhor música de Cinema - e Aqui na Terra (1993); Cinco Dias, Cinco Noites (1996), de José Fonseca e Costa - Prémio da melhor música do Festival de Cinema de Gramado (Brasil), Quem és tu? de João Botelho (2001) e O Fascínio, de José Fonseca e Costa (2003) e para as peças de William Shakespeare Hamlet (1987) e Ricardo II (1995), encenadas por Carlos Avilez.

Sobretudo a partir da sua estada na Holanda, António Pinho Vargas tem-se dedicado principalmente à composição erudita contemporânea, ocupando lugar de relevo no actual panorama português. Algumas das suas obras foram executadas em França, Alemanha, Holanda, Bélgica, Polónia, Hungria, Suécia, Espanha, Brasil, Inglaterra e EUA.
As suas obras têm sido encomendadas por instituições como a Fundação Calouste Gulbenkian, a Culturgest, Lisboa 94, a Expo 98, a Comissão dos Descobrimentos, o Teatro Nacional de São Carlos, a Câmara Municipal do Porto, Porto 2001 e vários Festivais de Música.
Na obra de António Pinho Vargas encontram-se composições para música de câmara e instrumentos solo, como Mirrors (para piano, estreada em Amesterdão em 1990, por Paul Prenen e, mais tarde, tocada pelos pianistas Ronald Brautigam, Madalena Soveral, Francisco Monteiro, Tania Achot, Gloria Chen-Chocran, Volker Banfield, Miguel Henriques, entre outros), Três Versos de Caeiro (Ensemble Nuova Sincronia, Northern Sinfonia, OrchestrUtopica, Remix Ensemble); composições para orquestra: Acting Out, (dir. António Saiote, J.R. Encinar e Martin André), A Impaciência de Mahler, (dir. Michael Zilm e Martin André); Judas secundum Lucam, Joannem, Matthaeum et Marco, para coro e orquestra (dir. Fernando Eldoro); e as óperas Édipo, Tragédia de Saber e Os Dias Levantados (dir. João Paulo Santos).

Em 2005 estreou a obra Six Portraits of Pain para violoncelo e grande ensemble – Anssi Karttunen, violoncelo e Remix Ensemble dir. Frank Ollu – na inauguração da Casa da Música, no Porto, em 2006 foi estreada a obra para grande orquestra Graffiti [just forms], pela Orquestra Sinfónica Portuguesa, sob a direcção de Lothar Königs e a ópera de câmara A Little Madness in the Spring pelo Remix Ensemble dirigido por Frank Ollu e, em 2007, Um discurso de Thomas Bernard para narrador e orquestra pela Orquestra Metropolitana de Lisboa sob a direcção de Michael Zilm. Em 2008 estrearam as obras Suite para Violoncelo Solo por Nuno Abreu e Movimentos do subsolo -Quarteto de cordas nº2 pelo Quarteto Verazin.

Participou no Festival Other Minds V organizado por Charles AmirKhanian em S.Francisco, EUA, em Março de 1999; no International Music Theatre Workshop de 1999 na Oper-am-Rhein, em Dusseldorf, com a apresentação-video de Os Dias Levantados e obteve em 2001 uma Bolsa da Fundação Rockefeller para uma estadia no Bellagio Study and Conference Center, em Itália.

Foi editado em 1995 pela EMI Classics o CD Monodia, com o apoio de Lisboa 94, Capital Europeia da Cultura. O quarteto de cordas Monodia-quasi un requiem foi tocado pelo Quarteto Artis de Viena, The Smith Quartet, e incluido no CD do Arditti String Quartet Portuguese Chamber Music na Etcetera Records. A gravação ao vivo da ópera Os Dias Levantados, foi editada em 2005 pela EMI Classics e em 2008 o CD com as obras Graffiti [just forms], Six Portraits of Pain e Acting Out foi publicado pela Numérica / Casa da Música

A Culturgest organizou um Festival António Pinho Vargas em Fevereiro e Março de 2002 com a maior parte da sua obra. Encomedado pela Culturgest, LxFilmes e RTP, foi realizado por Manuel Mozos e Luís Correia o documentário António Pinho Vargas, notas de um compositor. Saiu em 2002, editado pela Afrontamento, o livro Sobre Música, com sete ensaios e uma recolha de textos e entrevistas do compositor e está prevista para 2008 a publicação do seu segundo livro Cinco Conferências sobre Historia da Música do Seculo XX, editado pela Culturgest.

O compositor está actualmente a trabalhar num doutoramento em Sociologia da Cultura na Universidade de Coimbra sob a supervisão do Professor Boaventura de Sousa Santos (C.E.S. da Universidade de Coimbra) e na Universidade de Durham (UK) com o Prof. Max Paddison como bolseiro da Fundação da Ciência e Tecnologia. Recentemente integrou como Investigador o Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra.

André Fernandes

2009-03-04T06:49:00.000-08:00

André Fernandes nasceu em Lisboa. Completou os seus estudos na Escola de Jazz do Hot Clube de Portugal e em 1996 recebeu uma bolsa da conceituada Berklee College of Music, em Boston, EUA, que frequentou até se mudar para Nova Iorque. Recebeu o Stephen Holland Award for Outstanding Musicianship. Entre as suas colaborações destacam-se Mário Laginha, Lee Konitz, Chris Cheek, Cyro Baptista, Perico Sambeat, Maria João, David Binney, Julian Arguelles, Eli Degibri, Bill McHenry, Pedro Moreira, Pete Rende, John Hollenbeck e Theo Bleckman, Alexi Tuomarila Quartet, Bernardo Moreira, Jorge Reis, Carlos Barreto, Akiko Pavolka, Jarmo Savolainen, Furio diCastri , Phil Markowitz e João Paulo Esteves da Silva, entre outros. Toca regularmente nos principais festivais e salas europeias como membro do Lee Konitz New Nonet, Maria João e outros grupos. Em 2001 gravou o seu primeiro CD como líder intitulado “O Osso”, editado pela sua própria editora Tone of a Pitch, ao qual se seguiram até hoje mais quatro trabalhos: “Howler”, “Timbuktu”, “Cubo” e “Amplitude” com o grupo Spill. Todos muito bem recebidos pela crítica e público. O seu último foi eleito disco do ano pela votação dos críticos no espaço Jazzlogical.net e Fernandes eleito músico do ano de 2007 pelo jornal “Público”. Colabora regularmente com a Orquestra Jazz de Matosinhos com quem grava o projecto “Portology” com Lee Konitz, dirigidos por Ohad Talmor, e é convidado para integrar o Lee Konitz New Nonet na Europa em 2006 e 2007. Com Konitz e a Orquestra Jazz de Matosinhos actua no Carnegie Hall em Nova Iorque em celebração do seu octogésimo aniversário e com o seu noneto actua por toda a Europa. O seu quarteto actual inclui o pianista Mário Laginha, o contrabaixista Nelson Cascais e o baterista Alexandre Frazão.

Eu vou lá estar.
Theatro Circo, 5 de Março de 2009 às 22 horas.

Keith Jarrett

2009-03-03T13:27:00.000-08:00

Jarret nasceu em Allentown, Pensilvania, no dia 08 de maio de 1945. Foi um prodígio musical: aos três anos começou a ter lições de piano, aos sete realizou apresentações como solista, compôs peças para piano e depois as masterizava com bateria e sax soprano.

Aos dezessete, tocou um concerto por duas horas e estudou com a famosa professora de piano clássico Nadia Boulanger em Paris. Depois de tocar como freelancer em Boston, participou do Jazz Messengers.

Logo depois entrou no quarteto de Charles Lloyd em 1966, com o qual excursionou no Extremo Oriente e na União Soviética. Em 1969 Jarret passou a fazer parte do grupo de Miles Davis tocando piano elétrico.

Ao deixar Miles Davis, Keith Jarrett deixou para sempre os teclados elétricos. Em novembro de 1971, ele passou a gravar somente para o selo ECM, uma associação que continua até hoje. Nos anos setenta, Jarrett liderou dois grupos: uma quarteto inovador americano com Paul Motian(bateria), Charles Haden(baixo) e Dewey Redman(sax), e um quarteto europeu com Jan Garbarek, Palle Danielsson e Jon Christensen.

Além disso, começou em 1972, a sua famosa série de concertos improvisados da qual resultaram gravações que se tornaram populares, como "Solo Concerts", "Köln Concert" e "Sun Bear Concerts".

Nos anos oitenta, Jarrett estava executando tanto o clássico quanto o jazz, mas nos anos noventa ele passou a gravar exaustivamente a sua série "Standards Trio" junto com o baixista Gary Peacock e o baterista Jack DeJohnette.

Embora inicialmente influenciado por Bill Evans, Keith Jarrett tem hoje um estilo original e influente carregando dentro de si a força vital do jazz.

Esbjörn Svensson

2009-03-02T12:51:00.000-08:00

Após ter-se estabelecido como um inspirado personagem na cena escandinava do jazz, o sueco Esbjörn Svensson formou seu próprio trio com Dan Berglund no baixo e Magnus Ostrom na bateria e em 1993, gravaram seu primeiro album "When everyone has gone" (Dragon). Desde então lançaram sete albums, incluindo "From Gagarin's Point of View" em 1998, "Winter in Venice" (1997), "E.S.T. plays Monk" (1996).

Em 1995 e em 1996, Svensson foi indicado como o melhor Músico de Jazz da Suécia do ano e lhe foi concedido o prêmio de melhor compositor em 1998. Em 2001 o álbum "Good Morning Susie Soho" foi eleito o melhor album do ano pela Jazzwise Magazine no Reino Unido.

O álbum de 2002 "Strange Place for Snow" quebrou então todos os recordes de prêmios: "The German Jazz Award", "The German Critics Award" como melhor album do ano , "The Guiness Jazz in Europe Award", "Le Choc l'annee" da French Jazzman magazine, "The Victoire de la Musique and the BBC Jazz Award", ambos na categoria "Best International Act".
No outono de 2003 seu álbum "Seven Days of Falling" recebeu o Grammy Sueco como o melhor album do ano. Isto tudo vem provar que este é o trio da década no jazz.

Acreditem. Este tema é dos mais lindos que ouvi até hoje.